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L'exercice de l'Etat

2012-01-19T02:48:00.000-08:00

Les marches du pouvoir

L'histoire

Un ministre confronté à la gestion d'un accident d'autocar et à ses propres contradictions carriéristes.

Les plaisirs du film

La liberté prise par le metteur en scène, qui ne rechigne ni aux séquences d'actions pures, ni aux scènes oniriques pour traiter un sujet finalement peu traité en France, les coulisses du pouvoir. Du coup, on échappe aux clichés, aux castings trop attendus. On sent un naturel, une connaissance du sujet très documentée, mais de l'intérieur.

Le plaisir. Le sexe, de la pathétique minipartouze sur fond de techno à l'image d'ouverture, proprement monstrueuse et excitant toutes les interprétations. L'alcool, des grands crus comme ultime consolation pour M. Blanc à la picole d'Olivier Gourmet en visite imposée chez les pauvres. Et le pouvoir, ici bien montré. Pouvoir de l'image, des mots, des visites de terrain, de la vitesse.

Le choix très fin d'Olivier Gourmet, très humain, pas du tout caricature du requin politique. Plutôt impliqué, sincère, jonglant avec les contradictions de sa fonction et la violence du petit milieu des politiques parvenus au sommet de l'Etat.

L'atmosphère globale de déréliction, tant des hommes que des valeurs et du système étatique. Une ambiance assez fascinante de fin d'un monde, de moisissure d'un système, d'entrechoquements d'ambitions risibles.

Y aller ? Oui, et voir en parallèle Les marches du pouvoir

Les marches du pouvoir

2011-11-16T06:06:00.000-08:00

Politiquement correct

L'histoire

Le dépucelage du collaborateur d'un candidat à l'investiture démocrate.

Les plaisirs du film

Le thème du double. La dualité, la gémellité, la duplicité constituent le cœur du film. Duel entre candidats du même camp pour les primaires. Duel entre leurs collaborateurs. Symétrie des stratégies. Effet miroir entre Gosling et Clooney : la distance entre eux deux se réduit jusqu'à s'annuler. Le double implique aussi la répétition, comme le suggère la stagiaire finale. Situations scandaleuses qui se répètent, mœurs politiques qui ne peuvent sortir du cercle vicieux.

Le scénario, qui réussit brillamment à enserrer le héros dans un étau de contradictions sans issue.

La description des liens complexes entre journalistes et politiques.

Les obsessions de la société américaine.

Philip Seymour Hoffman, délectable.

A voir ? Oui, en parallèle de L'exercice de l'état.

La guerre est déclarée

2011-11-16T05:44:00.000-08:00

Veni, vidi, vici

L'histoire

Un couple se bat pour que vive leur petit garçon gravement malade.

Les plaisirs du film

Le rythme. Montage, musique, procédés filmiques : tout concourt à un rythme rock n'roll. Donc très rapide, très enlevé, laissant part à l'impro, à la vie, à l'énergie. Le cinéma, comme art de la réalité transposée, tourne ici à plein régime. Humour, larmes, suspens, aventure, fantaisie : des registres différents, tous réussis en soi, s'enchaînent avec un naturel saisissant.

Le ton. Sur un tel sujet, avoir réussi à faire le funambule sur le fil de la justesse, sans chute dans le pathos voyeuriste ni le détachement artificiel est très impressionnant.

Le thème de la famille tribu, joliment montré, sans les clichés habituels des films français marketés comme des pubs.

Le couple, fil rouge du film. De la rencontre à la naissance, c'est la première partie du film. Même là, sur ce sujet rebattu, la joie de voir des situations vraies, parlantes, émouvantes.

L'émotion très particulière, créée non pas par une situation triste, mais précisément par la joie, la force et la combativité qui la dépassent.

La scène de la soirée du baiser.

A voir ? Oui.

Drive

2011-11-16T05:28:00.000-08:00

Sad and furious

L'histoire

Un conducteur hors-pair, cascadeur le jour, met ses talents au service de malfrats.

Les plaisirs du film

L'effet remix. A l'image de la typo du générique, tout le film mêle les références des 30 dernières années en matière de polar. Gueules connues, véritables palimpsestes évoquant leurs rôles précédents (les acteurs jouant la pègre, image travaillée à la Collateral, flash de violences à la Scorcese, clins d'œil aux slashers movies. La musique et le sound design sont à l'avenant, très travaillés, irriguant l'image de façon fluide, efficace, séduisante. Du coup, l'humour blasé sous-jacent, qui ne rechigne pas, par moment, à l'effet appuyé ou la caricature, confère au film une élégance certaine.

L'anticharisme des deux personnages principaux, discrets, blonds, délavés. La douceur étrange qui émane d'eux dans un contexte violent. Leur irréalité, renforcée par le contraste avec d'autres personnages, comme celui de la cagole tenu par la pulpeuse Christina Hendricks de Mad Men.

La scène où les deux tombent amoureux, chez elle. Avec leur regard, le cinéaste capte l'invisible.

Faut-il y aller ? Oui. Et relire Ricœur.

Appolonide, souvenir d'une maison close

2011-10-06T07:43:00.000-07:00

Un beau bordel

L'histoire

Le crépuscule d'une maison close

Les plaisirs du film

Le rapport au temps. Le film se situe à une période charnière, c'est le crépuscule d'une époque, d'un siècle, ce qui apporte une couleur spéciale au film, la sensation d'être témoin d'une poignée de sable qui s'écoule sans retour et de la tentative de le fixer sur la pellicule, de l'encapsuler dans un format. Et le temps est lui-même traité dans le film de façon curieuse. Avec un jeu de simultanéité (une scène revue de différents points de vue), de retours en arrière, d'étirement temporel. Jusqu'à ce violent flash forward final.

La reconstitution minutieuse du décor et du style mais aussi des us et coutumes d'une telle maison. De l'entretien d'embauche au dentifrice, on découvre avec curiosité ces usages, dans un décor comme élaboré par Des Esseintes.

La façon proustienne de filmer une troupe de jeunes filles. Toujours changeantes selon les lumières, les endroits, les humeurs et les postures, les plus belles deviennent laides et vice versa. Une nébuleuse palpitante de visages en perpétuelles métamorphoses.

Une peinture troublante de la perversité, avec des scènes qui donnent la nausée, notamment autour de la femme qui rit.

Un rythme et un huis clos obsédants, qui donnent envie de s'échapper en pensée et d'évoquer au gré des scènes d'autres films cités implicitement comme Batman, Vendredi 13, Eyes Wide Shut...

Y aller ? Oui. Et relire A Rebours.

Melancholia

2011-10-06T07:16:00.000-07:00

Spleen et idéal

L'histoire

Deux sœurs face à une planète qui s'apprête à percuter la Terre.

Les plaisirs du film

La paire Kirsten - Charlotte. Les deux actrices magnifiques, la blonde en sidération, en fusion cosmique, en dilution. La brune en retenue, en maîtrise, en volonté. Elles incarnent deux sœurs à la relation passionnante et tout en contradictions. Qui soutient l'autre ? Qui est la plus forte ? Dans la première partie, Charlotte porte Kirsten dans cet événement si terrestre, si civilisé, si absurde d'un point de vue cosmique, qu'est le mariage. Dans la seconde partie, Kirsten soutient Charlotte dans un lâcher prise ultime.

Le thème de la mélancolie, superbement traité ici, dans toute sa profondeur et ses subtilités. Tout le film en est une définition, belle et exacte. La mélancolique Kirsten, reprend corps, reprend vie en contact avec cette planète implacable. La scène où Charlotte la trouve nue, allongée sous la pâle lumière de l'astre est sublime. La blonde semble boire avec sa peau le pouvoir du corps céleste. La lucidité du mélancolique est bien montrée dans le film. Son incapacité à se colleter avec le trivial, le bourgeois, le convenu en sachant que l'essentiel se joue tellement ailleurs. Que le divertissement ne change pas le destin.

L'esthétique sophistiquée. Les cadres, la lumière, le stylisme. L'élégance de cette fin du monde balaye d'un coup toutes les autres apocalypses cinématographiques, les rend lourdes et grotesques.

Y aller ? Oui, et relire Starobinski sur Baudelaire.

Mes meilleures amies

2011-10-05T07:04:00.000-07:00

Wedding killer

L'histoire

Une jeune femme célibataire prend son rôle de témoin de sa meilleure amie très à cœur. Trop.

Les plaisirs du film

Les scènes drôles du film sont très réussies. L'essayage, l'avion, la réception... Pour une comédie, c'est déjà bien. Le reste du film est tout de même assez mou, même si on échappe relativement à la comédie romantique habituelle. Le film a pour lui une crudité peu vue, le génie comique de l'actrice principale, quelques répliques cultes, les seconds rôles aux petits oignons, dont le Don Draper de Mad Men en chaud lapin crétin.

Y aller ? Oui, surtout si on doit se marier. Un bon défouloir.

Crazy stupid love

2011-10-05T06:18:00.000-07:00

Les histoires d'a

L'histoire

Un père de famille largué par sa femme échoue dans un bar où il rencontre un jeune coach en séduction.

Les plaisirs du film

L'acteur principal, dont la gueule de citoyen moyen, dépassé en permanence par la situation, fait merveille. Un potentiel comique renforcé par ses brefs moment de sosie avec Chevènement ou Mr Bean.

La scène où le tout nouveau dragueur passe à l'action, plaquant la grille sur une jeune femme. Décalage hilarant.

Le haut niveau du casting, autour de l'intense Julianne Moore

La tentative plutôt réussie de s'intéresser aux sentiments amoureux de plusieurs générations, dont celle des pré-ados.

L'amusante écriture du scénario qui ne rechigne pas à une relative complexité, ménage ses effets, ses surprises et ses retournements avec malice et avec l'envie de plaire au spectateur. Parfois convenu, pas assez trash, mais très plaisant.

Y aller ? Oui, pour le plaisir du badinage

La planète des singes, les origines

2011-10-05T06:02:00.000-07:00

Gare aux gorilles

L'histoire

Un gentil chercheur pense avoir trouvé un remède à la maladie d'Alzheimer mais le teste sur des singes. Grave erreur.

Les plaisirs du film

Aucun, à part la belle Pinto et le déchaînement du gorille. Tout le reste n'est que déjà-vu, scénario bête et méchant, scènes lacrymogènes de bas étage et laideur.

Faut-il y aller ? Ben non. Mieux vaut relire Boulle.

Une séparation

2011-09-22T06:14:00.000-07:00

Le procès

L'histoire

Dans un couple en pleine séparation, la femme de ménage accuse le mari de violences.

Les plaisirs du film

L'intrigue kafkaïenne, l'atmosphère paranoïaque, renforcée par le décor clos des bureaux surpeuplés, des appartements fermés, d'un pays verrouillé.

La vivacité. La tension de l'intrigue est superbement servie par la nervosité de la mise en scène. Haletante, elle suit les personnages au plus près, les serre dans leurs réactions, leurs névroses, leur complexité. En réponse à cette caméra libre et vivante, les comédiens, dès la première scène pleine d'une densité impressionnante, impressionnent par leur justesse.

Le doute que ressent le spectateur au fur et à mesure du déroulement. Captivé, il change de point de vue, d'interprétation, de camp.

La peinture d'une société iranienne complexe, à travers une famille, puis à travers la confrontation entre deux familles. Société où les divergences de conceptions obligent au débat ou à la manipulation.

Une belle approche de l'adolescence, à travers la fille du couple, elle-même déchirée entre ses parents, entre deux âges, entre espoir et résignation.

Y aller ? Oui.

Pater

2011-09-22T01:32:00.000-07:00

Liberté, légèreté, fraternité

L'histoire

Les relations imaginaires d'un Président de la République et de son Premier ministre.

Les plaisirs du film

La liberté dont fait preuve Cavalier dans sa réalisation : improvisations, scènes-esquisses, surprises...

Le curieux rapport à la réalité. L'absence de moyens du film, sa légèreté assumée, fait qu'on ne croit pas précisément aux fonctions, aux décors. C'est un point d'ailleurs très amusant du film, dont Lindon et Cavalier semblent souvent se délecter. Encore mieux, la fiction est affirmée comme telle avec irruption de la caméra dans le champ. Du coup, l'effet de réel est ailleurs : dans le sérieux des thématiques évoquées. Dans la finesse du jeu. Dans la dramaturgie de la relation entre les deux hommes.

Le plaisir de la table. Il est conseillé d'avoir réservé dans un bon restaurant avant de voir Pater. Dès le premier plan le ton est donné. Le vin, aussi, est mis à l'honneur.

La tirade de Lindon contre Zadig&Voltaire, qui, par le hasard de l'actualité, fait écho à la réponse imbécile d'un ministre inculte, dans la réalité. Et on se prend à rêver d'un tandem aussi solide, cultivé, et intègre que Lindon et Cavalier à la tête de l'Etat.

Faut-il y aller : oui, si on est capable de se laisser aller à un rythme un peu lent, un peu décousu, pour le plaisir des digressions, des dialogues, des à-côtés.

Black swan

2011-02-23T01:49:00.001-08:00

Les ailes du désir

L'histoire

Une danseuse est choisie pour incarner la Reine des cygnes. Mais pourra-t-elle jouer aussi le Cygne noir ?

Les plaisirs du film

Le film est taillé en diamant : matériau dur, facettes aux angles aigus, distorsion de la réalité vue au travers. Le matériau brut, c'est cette quête de la perfection. Une source de souffrances physiques et psychiques montrées d'abord par petites touches, puis de façon plus spectaculaire. Les facettes aux angles aigus sont celles de cette personnalité à fleur de peau. Cette danseuse funambule sans cesse sur le fil, dont le visage exprime l'infinie détresse, les failles, les peurs. Portman est fantastiquement filmée. Distorsion de la réalité : de façon passionnante pour le spectateur, le réalisateur multiplie les reflets des personnages sur des supports flous, contribuant ainsi à fausser les pistes. Les outils de la taille sont aussi très présents dans le film : couteaux, ciseaux...

Le thème du double. Ce thème romantique par excellence, sur la perte de soi, irrigue le film, là encore de manière délectable. Dès les premières images, Portman croit se voir en d'autres jeunes femmes. Le phénomène s'amplifie à partir du moment où elle se voit proposer le rôle double Cygne blanc/noir. Elle doit donc elle-même se dédoubler sur scène : apparaît alors son double sensuel et spontané (tout ce qu'elle n'est pas et doit conquérir pour jouer la face obscur) en la personne de l'attirante Mila Kunis.

La sensualité latente. Jeune femme artificiellement maintenue en vie adolescente par une mère ratée et castratrice qui se fantasme en elle, Portman, poussée par son mentor chorégraphe, Cassel, multiplie les tentatives de transgressions. Pour pouvoir préciser atteindre en elle ce point "noir", celui des pulsions, nécessaire au rôle. Ce point interdit par une chambre rose sucrée, par sa mère perverse. Essais de masturbation, déchainements de violence, rapport problématique au corps : cette vierge effarouchée attire une sensualité brusque.

Les interprétations possibles. Maléfice du Lac des Cygnes, maladie mentale, paranoïa passagère due aux répétitions, thriller à base de complot et de manipulations: toutes les interprétations sont non seulement possibles, mais encore souhaitées. Le réalisateur nous entraîne à les envisager toutes en temps réel. Un vrai plaisir de cinéma, même si quelques effets sont trop appuyés.

A voir ? Oui.

Et pour prolonger le plaisir sur le thème du double destructeur, lire Le Double de Dostoïevski, récit drôle, halluciné et virevoltant, et La Méprise de Nabokov, plus sombre. Et pourquoi pas le conte philosophique Peter Schlemihl de Chamisso.

Les femmes du 6ème étage

2011-02-22T05:19:00.000-08:00

Bienvenue chez les bonnes

L'histoire

Un bourgeois bien conventionnel découvre la joie et la bonne humeur grâce aux bonnes de son immeuble.

Les plaisirs du film.

Aucun. C'est étouffant de clichés sirupeux, de dialogues lourds, de personnages caricaturaux, de situations hyper-téléphonées, de bons sentiments. A voir si on coincé dans un centre commercial en attendant son train après un congrès de prothésistes dentaires et qu'il pleut trop pour se faire une terrasse. Comment croire que l'acteur principal aime et cite Muray ? Ah si, quand même, une réplique : "Mon père a toujours conservé ses bouteilles pour les grandes occasions. Il a hésité à en ouvrir une à sa mort."

Alors, faut-il y aller ? Non. A remplacer par un bon Bunuel si on veut de la satire bourgeoise et par Journal d'une femme de chambre si en plus on s'intéresse aux bonnes.

Hereafter

2011-01-24T07:45:00.001-08:00

Retrouver ses esprits

L'histoire

A San Francisco, Matt Damon refuse ses dons de spirite. A Londres, deux frères jumeaux rencontrent la mort, tout comme une journaliste vedette à Paris.

Les plaisirs du film

L'absence de scrupules. C'est Eastwood : on y va et on ne s'embarrasse pas de finesses. Un scénario tiré par les cheveux, une construction de film sans surprise (Paris/San Francisco/Londres - Paris/San Francisco/Londres - Paris/San Francisco/Londres...). Des personnages en 2D, comme Cécile de France. Des images incroyables de comique involontaire (le nounours dans le tsunami). Des clichés, comme les visions : n'aurait-on pas attendu autre chose que les silhouettes floues à contre-jour ? Mais précisément, cette façon un peu primaire de se colleter avec le sujet étonne constamment et fait avancer l'histoire à la hussarde.

Les scènes spectaculaires, comme celle du tsunami, sont très réussies, filmées avec une efficacité, une placidité, une économie qui les rendent impressionnantes.

L'humour. Parfois involontaire mais souvent très bien amené, comme la série des spirites charlatans.

Le sujet du film, la vie après la mort, est évoqué, mais comme un prétexte. Les 3 destins qui flirtent avec l'au-delà donnent finalement une leçon de vie, celle qui hante Eastwood dans ses derniers films : se trouver pour s'aimer.

La manière dont Matt Damon débarrasse son repas. Et ses soirées à écouter le radio-feuilleton.

A voir ? Oui, pour ce genre étrange entre mélo, comédie et drame. Et par tendresse pour ce vieil onc'Clint et ses belles histoires.

Somewhere

2011-01-24T04:20:00.000-08:00

Lost in Château-Marmont

L'histoire

Un acteur trompe le vide de son existence dans un hôtel. Sa fille passe du temps avec lui.

Les plaisirs du film

L'esthétique du banal. La mise en scène joue beaucoup sur le ténu, sur le vide, sur le manque. Et sur le médiocre : par exemple, la scène des strip-teaseuses met en avant leur gaucherie, la nullité de leur performance, évacuant totalement tout érotisme. Ce banal touche tous les éléments du monde qui entoure l'acteur. C'est aussi une esthétique de l'absence de désir. Aucun de ces objets-clichés, ces lieux, ces femmes, ces soirées et ces plaisirs stéréotypés ne peuvent exciter le désir. Cette esthétique produit aussi des plans interminables, qui font éprouver l'ennui montré à l'écran.

La relation avec sa fille, seule relation du film capable de faire naître une émotion. Relation ludique, où les rôles s'inversent parfois, avec une jeune fille plus mûre que son père, maintenu par son entourage dans une posture d'enfant gâté. Le plan du jeu vidéo l'illustrent : ce sont deux teenagers. La blondeur diaphane de la jeune fille et son âge, pile entre enfance et adolescence, évoquent les sœurs de Virgin Suicide, Scarlett dans Lost in Translation ou Marie-Antoinette. Et comme elles, elle est déphasée, perdue. Perdue dans son rapport aux adultes.

Le thème de l'isolement. Déjà là dans Virgin Suicides, dans Lost in Translation, dans Marie-Antoinette : des personnages trouvant dans le divertissement, l'insouciance et le superflu la meilleure façon de ne pas vouloir affronter le triste de leur existence. Leurs fêlures. Ici l'acteur n'est plus qu'une marionnette trimbalée d'hôtels en interviews. Une poupée à fantasmes totalement passive, draguée en permanence et insultée sans relâche (par sms). Réflexion sur la starification/dépersonnalisation. Mais surtout réflexion sur les vanités de l'époque.

A voir ? Oui pour les amateurs de Sofia, pour les passionnés de l'ennui sublimé. Les autres souriront de temps en temps pour tromper leur frustration.

Another year

2011-01-24T03:32:00.001-08:00

Seniors in love

L'histoire

Celle d'un couple âgé et des personnes qui gravitent autour de leur affection.

Les plaisirs du film

La subtilité de la mise en scène. Une façon rare, sidérante de justesse, de capter les caractères, les relations familiales et amicales. Beaucoup d'humour.

L'intelligence du scénario. Pas vraiment d'intrigue, mais l'écran fourmille d'éléments à saisir, tout au long des saisons qui rythment le film. A chacune des saisons une personne intervient dans la routine "parfaite" de ce couple central. Une routine secrètement enviée, jalousée par ces personnes proches qui ne parviennent pas à "réussir" leur vie, notamment affective. Car le bonheur est ambigu, semble dire le film : il n'existe qu'en cultivant son jardin, en l'ouvrant aux autres. Mais dans certaines limites. Le bonheur peut aussi exclure, par un certain aveuglement égoïste.

La beauté de certains cadres. Dont celui, époustouflant, de la visite au frère veuf.

La scène d'ouverture, qui dit tout sur la malédiction très répandue de passer à côté de sa vie. Faute de pouvoir aimer. De pouvoir se laisser aimer. De pouvoir parler. De se connaître.

Le plan final, magnifique de sobriété.

Y aller ? Oui. C'est très dur, mais très juste.

Holiday

2011-01-24T02:53:00.001-08:00

Cluedo

L'histoire

Un couple en week-end dans un château passe une nuit de folie ponctuée par un crime.

Les plaisirs du film

Le générique. Un monument d'étrangeté, un florilège de tous les liquides pouvant s'échapper d'un corps humain, dégoulinant sur des étoffes lourdes et sombres. Un générique mixant certains gros plans dérangeants de Lynch et certaines vanités bellement éclairées.

Judith Godrèche, qui prolonge un peu le rôle de Potiche en lui donnant un arrière-plan sexuel très réussi. Elle compose ici, avec ses grands yeux naïfs, une Alice au pays des plans culs très amusante.

La nuit délirante passée dans cet hôtel, marivaudage trash en compagnie de personnages en perdition. Et cette sensation si particulière du temps nocturne qui s'étire, qui n'en finit pas, parfaitement rendue ici.

L'intrigue policière, finalement assez convaincante sous la couche d'absurde et d'humour décalé.

La femme de chambre chasseuse d'Atlantes.

On le voit ? Pas forcément, car finalement l'étrangeté, les trouvailles et la drôlerie ne l'emportent pas sur l'ennui. Mais indispensable pour les fans de Judith.

Potiche

2010-11-16T01:42:00.001-08:00

Les parapluies de Ste Gudule

L'histoire

1977. Le patron d'une usine de parapluie doit laisser son poste à sa femme.

Les plaisirs du film

L'artificialité assumée. Filée du début à la fin du film, composante principale du style Ozon, elle fonctionne ici à merveille. Le registre parodique, second degré, ne varie jamais. Cela pourrait être fatiguant, c'est très drôle. Ce ton prend diverses formes, de l'absurde à l'hommage en passant par le clin d'œil : par exemple, le générique de début est une re-création parfaite des génériques des années 1970, avec typo cooper black, split screen, mélodie sifflotée et flou de l'image. Autres exemples : le style de Depardieu député communiste est inspiré de Bernard Thibaut, la scène de Deneuve en sortie clandestine, foulard et lunettes noires, rappelle Belle de jour.

La joie des acteurs. Catherine Deneuve jouant avec sa caricature bourgeoise, dans un personnage physiquement proche de la reine mère de Palais-Royal. Depardieu ne jouant presque pas, très doux. Godrèche impeccable en Sarah Fawcett sarkozyste et Viard en secrétaire évolutive aux seins pointus comme ceux de Stéphane Audran dans les premiers Chabrol.

Les thèmes, traités avec naïveté, donc avec légèreté : féminisme, lutte des classes, politique, famille... L'entrain du film brasse tout cela sans profondeur aucune, sauf dans les toutes dernières images, très ambiguës, sur la Maman élue.

On y va ? Oui, c'est le meilleur Ozon depuis longtemps.

L'homme qui voulait vivre sa vie

2010-11-08T02:57:00.001-08:00

Profession photographe

L'histoire

Un homme accouche de lui-même dans la douleur.

Les plaisirs du film

La générosité : l'histoire est jouée à fond, avec ses invraisemblances et ses naïvetés, comme le symbolique changement de coiffure de Duris, mais avec un allant qui entraîne sans réserve.

La construction du film : une première partie "bourgeoise" aussi clichée que la réalité. Qu'elle sonne creux, c'est vrai, mais pas plus que dans la vie. Puis la deuxième partie, la fuite ensauvagée qui permet au héros de devenir lui-même. Et cette révélation personnelle est précisément permise par le cliché absolu de la vie bourgeoise, l'adultère : le destin de Duris, si accompli soit-il, reste issu d'une péripétie médiocre.

Deneuve, ici dans un rôle taillé pour elle.

La partie "thriller", charnière du film, pendant laquelle Duris prépare sa vie d'après. On suit avec plaisir cette Nième façon de se débarrasser d'un corps. Beaucoup d'ellipses judicieuses donnent d'ailleurs au film un rythme vraiment très agréable, ponctué de jolies surprises.

L'hommage implicite à Antonioni de Profession Reporter.

Alors, on le voit ? Oui, comme on lit un bon polar dans son canapé.

Fair Game

2010-11-08T02:44:00.001-08:00

Armes de destruction ciblées

L'histoire

Pendant la guerre en Irak, l'administration Bush balance à la presse l'identité d'une agent de la CIA.

Les plaisirs du film

Engranger de nouveaux motifs d'écœurement à l'encontre du système Bush, de la manipulation éhontée orchestrée par un quarteron de va-t-en guerre.

Naomi Watts et Sean Penn, couple parfait de cinéma, ici dans des rôles nouveaux. Plus dure pour elle, plus "intello" pour lui.

Découvrir cette affaire vaguement évoquée à l'époque et symptôme d'une manière de gouverner. Mieux saisir l'envers de cette guerre, par le biais d'une petite histoire, individuelle mais placée exactement là où tout se joue : l'invention du prétexte, les armes de destruction massive.

Alors, on va le voir ? Oui si on veut comprendre les dessous de cette affaire précise et certaines méthodes de la CIA. Sinon, on peut attendre le passage télé car l'ensemble, belle machine parfaitement emmanchée, se laisse oublier facilement.

The Social Network

2010-10-21T03:25:00.001-07:00

Vie de Nerd

L'histoire

Celle des débuts de Facebook.

Les plaisirs du film

Le principal paradoxe bien mis en valeur : le réseau qui connecte 500 millions de personnes créé par un asocial.

Le caractère sociopathe du fondateur, souligné chaque fois que c'est possible : observant ou vu à travers des vitres, se servant une bière pour lui tout seul alors que son associé lui en tend une, discourant de manière incompréhensible ou décalée par rapport au contexte. Bref, autant d'écrans placés entre lui et les autres.

Le plaisir rare de voir un film sur un évènement en train de se faire.

La scène du déjeuner avec Sean Parker, virtuose.

L'amusement de constater le côté "old school" du film sur un tel sujet. Bien ficelé, mais comme un bon gros classique américain à base de dossiers faisandés et d'avocats. Une belle machine, de très bons acteurs, de belles images : un léger ennui, un poil assommant. Comme un remix d'images très souvent vues, des campus la nuit, des chambres d'étudiants, des réunions...

Le voir ou pas ? Non, sauf si on tient vraiment à découvrir la face cachée du réseau, aka son fondateur.

Moi, moche et méchant

2010-10-18T00:58:00.000-07:00

Moi, drôle et gentillet

L'histoire

Gru veut prouver qu'il est le plus méchant en volant la lune. Mais un méchant plus jeune veut le prendre de vitesse.

Les plaisirs du film

L'inventivité formelle : des homoncules boschiens, les Minions, à la Grumobile en passant par le lance-poulpe, les décors, les engins et les objets du film constituent à eux seuls un régal. Issus d'une esthétique low-tech faisant la part belle aux matières et aux mécanismes, présents dans tous les plans du film, ils créent un décor foisonnant et comique.

La perfection du stylisme. On voit le résultat d'un travail très poussé, on admire la cohérence et la finesse des choix. Gru, très élégant dans son slim et son col roulé gris, Vector, risible dans son univers épuré et techno. Les deux mondes, l'ancien et le moderne, s'opposent et jouent ensemble avec bonheur.

Les flash-backs sur l'enfance de Gru, finalement les seuls moments cruels du film.

Alors, à voir ou pas ? Oui, pour le rythme trépidant et pour ce régal esthétique qui occupe l'écran et fait oublier les fausses promesses du film : un méchant pas assez méchant, des dialogues parfois mous du genou, et une mièvrerie finalement convenue. On aurait aimé plus de mordant. A partir de 4 ans.

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu

2010-10-14T06:52:00.000-07:00

Les jeux de l'amour et du hasard

L'histoire

Autour d'un jeune couple qui tourne à vide, les états d'âme et d'amour de leur entourage.

Les plaisirs du film

Le ton. Déroutant. On ne rit pas autant qu'on le pensait, mais ce n'est pas le but. On ne s'inquiète pas vraiment non plus. On opère sans cesse un aller-retour entre l'écran et sa propre vie. Pour se rassurer ou pour s'inquiéter, façon catharsis. Le film opère comme un drame shakespearien : il insiste sur les ratés, les failles, les dérèglements.

Le spectacle. On jouit de regarder et de s'étonner toujours plus de l'élasticité des relations entre les personnages. De leurs acrobaties affectives, sous le coup des désirs satisfaits ou contrariés. Rencontres, envies, frustrations : les personnages sont mis en branle comme les éléments d'un mobile. Et comme eux, ne sont peut-être pas si libres que cela.

Les acteurs. Comme souvent dans les Woody Allen, ils sont pris à contre-pied des rôles souvent univoques et caricaturaux des grosses productions. On se surprend à leur découvrir un naturel insoupçonné : Naomi Watts est superbement touchante, Anthony Hopkins délicieusement pathétique.

La liberté d'interprétation. Pas de fin, pas d'issue, pas de résolution. Toutes les hypothèses, les interrogations sont possibles. On peut lire le film de façon très pessimiste ou très optimiste. Les personnages sont pris à un moment m et lâchés un peu plus tard, sans vraiment avoir eu la possibilité d'achever une histoire. Un peu comme dans la vie.

Alors, à voir ou pas ? Oui.

Le petit Nicolas

2009-10-06T05:28:00.000-07:00

C'était mieux avant

L'histoire

Celles du Petit Nicolas passées à la moulinette.

Les plaisirs du film

Certains acteurs : Prevost, Kiberlain, Galabru, Anémone.

Deux moments drôles : l'apéritif entre les parents du PN et M. Moucheboume. Lemercier (au talent par ailleurs tellement disproportionné pour ce rôle de bécasse qu'elle non-joue pendant tout le film) reprend vie quelques minutes. La séquence Anémone.

Rêvasser à ce qu'aurait été le film non pas décalqué mais transposé, dans le ton et la liberté de l'original.

Alors, à voir ou pas ? Même pas en DVD.

Rien de personnel

2009-09-25T02:57:00.000-07:00

Rien de personnel non plus

L'histoire

Un séminaire d'entreprise à la veille d'une restructuration, jeux de rôles.

Les plaisirs du film

3 acteurs : Doutey, en fragilité malicieuse, Zabou, toujours parfaite, d'une justesse superbe, et Bouli Lanners, en douceur brutale, sorte de Depardieu plus subtil.

Imaginer ce qu'aurait donné cette bonne idée, ce bon scénario avec une belle image, une caméra mieux posée, une lumière crédible, des dialogues justes, un décor fin et des acteurs moins horripilants que Darroussin et Poladydes. Et sans ce didactisme lourdingue.

Alors, à voir ou pas ? Avec un masque et des boules Quies à la limite.

Whatever works

2009-07-02T02:19:00.001-07:00

Chacun cherche sa chance

L'histoire

Un vieux génie aigri recueille une stupide et charmante jeune femme.

Les plaisirs du film

La vivacité. D'autant plus extraordinaire qu'elle émane d'un vieux du cinéma, d'un homme de 75 ans, qu'on a dit passé, usé, gaga. Une leçon. Une leçon aux malades du montage cut, aux névrosés de l'action pure, aux accrocs du toc à la mode. Vitesse de l'action, répliques qui tuent, ellipses violentes, retournements et coups de théâtre, le tout avec une oie blanche et un boiteux aigri dans un pauvre appart. Respect.

Les acteurs. Lui, en génie auto-proclamé misanthrope et sarcastique, dont la violence verbale, face à ses élèves médiocres (il survit comme prof d'échecs) ou à sa belle-mère texane : extraordinaire. Un faux double du personnage Woody Allen : plus énervé, moins geignard, plus assassin. Elle, en tête de linotte irrésistible, banale et jolie, passant selon les scènes de Kirsten Dunst à Chloë Sevigny. Etonnante. Et les autres, le père, la mère, les amis. Tous excellents.

Le thème : la lucidité n'empêche finalement pas le plaisir. Carpe diem. Culcul, gnangnan, mais traité avec une énergie et une inventivité telles qu'il en devient nouveau. Et émouvant. On se dit que peut-être, dans cette force retrouvée, dans cette manière superbe de filmer la jeunesse (de l'esprit comme des corps), Woody Allen fait désormais de chacun de ses films le dernier de sa filmographie. Celui qui condense sa vie derrière et devant la caméra. Celui qui restera.

Alors, à voir ou pas ? Yes.

Les beaux gosses

2009-06-12T05:33:00.000-07:00

Smell like teen spirit

L'histoire

Le quotidien de deux collégiens et leur quête du premier baiser.

Les plaisirs du film

Le ton bon enfant. Finalement, on échappe à la grivoiserie redoutée, comme aux passages obligés "films d'ados". Toutes les scènes attendues se déroulent pourtant, mais toujours surprenantes, décalées ou si justes qu'elles paraissent nouvelles. Loin des teen-movies US et de leur lolitas en mini-short, l'ambiance générale de cette 3ème sent bon le collège. Souvenirs assurés.

Le comédien principal, excellent dans son jeu. Du rire bête propre à l'âge ingrat à la raideur paniquée du premier baiser, il joue à merveille son rôle dégingandé. Mention aussi pour les élèves de la classe, dont le formidable délégué. Un peu l'impression du Petit Nicolas version acné et cheveux longs. Et pour la brochette de profs, dont l'excellente Emmanuelle Devos : on sent le plaisir à créer les personnages, à les ciseler.

Des trouvailles dans les arrière-plans : le mystère du prof d'au-dessus, le crachin puant, la Redoute. Et Irène Jacob.

Terminator salvation

2009-06-03T06:49:00.000-07:00

Retour vers le futur

L'histoire

2018. Le chef de la résistance contre Skynet recherche son père encore adolescent.

Les plaisirs du film

L'esthétique Terminator. Dès le générique et les fameux coups d'enclume de la bande son, l'univers est repris et magnifié. Les références aux 3 épisodes précédents abondent, sans jamais alourdir le rythme. Les personnages, les jeux entre les époques, les machines. Le ton dur et réaliste pour un sujet assez mince, les invraisemblances grossières du scénario, c'est un western en acier plombé.

La beauté des images désaturées. Les couleurs descendues, proches des gris, rendent à merveille un décor désolé. Le stylisme, aussi, n'en rajoute pas. Le design des robots est connu depuis le premier film. Les résistants sont sobrement équipés. L'intérêt n'est pas dans la réprésentation d'une société humaine post apocalypse, à la Mad Max, mais bien dans l'action pure.

Le jeu de piste. Jeu entre humain et machine, ici sophistiqué à l'extrême, mêlant le méchant (épisode 1) et le gentil (épisode 2) terminator. Jeu entre le futur, le passé. L'univers Terminator, dans sa simplicité, recèle bien des ressorts et des paradoxes. Dans ce monde ultrapointu, où la robotique tient le monde, Connor écoute comme un oracle la voix de sa mère, sur une pauvre petite cassette audio.

La puissance de feu. Il faut aimer vibrer sur son siège. A voir donc dans une salle bien équipée. Entre les pales d'hélico, les crashs, les explosions, le déchaînement de métal et de fureur, cet épisode ressuscite le "génie" du premier film, son efficacité, ses surprises, son déroulement implacable. Avec les moyens technologiques d'aujourd'hui. Une vraie réussite et encore une victoire des machines.

fiche film

Jusqu'en enfer

2009-05-29T06:09:00.000-07:00

Ou tu iras j'irai, fidèle comme une ombre

L'histoire

Une vieille gitane jette un sort à sa jeune banquière

Les plaisirs du film

L'absence de pincettes. On y va vraiment. Un vrai film de genre, sans filtre, sans parodie, sans 25ème degré. Une série B de luxe, drôle et truffée de surprises, fabriquée avec maestria par Sam Raimi, qui visiblement s'amuse comme un petit fou hors des cadres pesants des mégaprods à la Spiderman. Le prologue donne le ton : abracadabrantesque au point que tout peut arriver par la suite. Et justement, la réussite du film est là, sur le dosage des effets.

Le dosage des effets. Du plus barré style bd, au plus subtil, Raimi utilise toute la gamme des effets spéciaux, sans privilégier la 3D à tout prix. Parfois, il rend même hommage aux ancêtres du genre : les ombres giffues du Lamia, le démon gitan, rappellent Nosferatu.

La satire sociale sous-jacente, comme dans tout bon film d'horreur. Ici, le contexte immobilier, le matérialisme, le burgeoisement correct... sont pilonnés joyeusement.

L'actrice principale, envoyée en l'air, aspergée de pus, de vomi, d'asticots, de boue, comme autant d'humiliations matérialisées... Parfaite en oie blanche qui conquiert son indépendance, en victime tragique. Son évolution physique, de banale employée sage à superbe rageuse sous l'orage.

fiche film

Millenium

2009-05-27T01:05:00.000-07:00

La reine Lisbeth

L'histoire

Celle du livre, en plus serrée.

Les plaisirs du film

La paresse : un plaisir ambigu. Comme tous les spectateurs connaissent par cœur l'histoire, la salle ne vibre pas. Un peu l'impression d'une projection des Feux de l'amour dans une maison de retraite. Alors ? Puisque l'intérêt ne vient pas des rebondissements, d'où naît-il ? De la curiosité. De voir comment les personnages et les scènes du film sont transposés. Et l'impression étrange d'aller voir un thriller dont on vous a raconté non seulement la fin mais aussi toutes les scènes. Impression confirmée par la mise en scène très fidèle, scotchée au livre, sans interprétation aucune, de peur de froisser le nombreux et sourcilleux lectorat.

Le passage à l'écran. A vrai dire, on aurait préféré voir le film avant de lire le livre. Ce dernier, écrit comme un gros scénario, sans aucune qualité littéraire, comporte des pages et des passages ennuyeux, inutiles, dont le film se passe avec bonheur. On ne s'ennuie pas, mais on note les effets les plus grossiers (la musique, lourde comme un 38t). Le peu d'inventivité de l'ensemble (comment aurait filmé Tarantino, Woo ou Lynch ?) rend surprenantes les scènes "dures", comme le viol de Lisbeth, ainsi qu'un stylisme un peu "sale" plutôt intéressant.

Lisbeth, bien incarnée par Noomi Rapace. Aussi bien physiquement que dans le caractère. La violence contenue, ses frémissements affectifs, passent par un jeu précis de l'actrice. Et sa nervosité rend encore plus molle la prestation du pauvre Blomkvist, pâle pâte informe, aux faux airs de feu Maurice Ronet et de Johnny.

fiche film

Sœur sourire

2009-04-30T05:59:00.000-07:00

Sœur chagrin

L'histoire

Une jeune femme, religieuse, explose les Beatles dans les classements de disques.

Les plaisirs du film

Le destin OVNI de cette jeune femme. Certains films, comme celui-ci, prennent à bras le corps des destins réels et sidérants. Qui aurait imaginé un personnage de fiction bonne sœur, auteur d'un tube planétaire "Dominique-nique-nique", lesbienne, alcoolique et shootée aux antidépresseurs ? Savoir qu'il s'agit d'une "vraie" vie donne au film une saveur particulière, à la limite de l'incrédulité par moments.

Le portrait de jeune femme, touchant parce que marqué par deux malédictions. Le manque d'amour et d'affection : n'en ayant pas reçu, elle ne peut en donner. Et le "déboussolage" : passant d'une vocation à l'autre, passant sa vie à quitter, elle n'existe que furtivement grâce à son tube.

Le thème de la notoriété : quel rapport entre l'énormité du succès de Sœur Sourire et son talent ? Le film montre bien l'ambiguïté de cet engagement religieux, incompatible avec une personnalité apparemment assez faible, velléitaire, mais surtout voulant à tout prix être aimée par quelqu'un. Et plutôt par des millions de fans que par Dieu.

Cécile de France, dont la légère masculinité et la candeur quasi puérile donnent au personnage une force, une volonté farouche assez touchante.

fiche film & séances

OSS 117, Rio ne répond plus

2009-04-16T11:56:00.001-07:00

Franchouille connection

L'histoire

L'agent OSS117 va à Rio, à la recherche de micro-films

Les plaisirs du film

L'expressivité de Jean Dujardin. Son visage d'une plasticité exceptionnelle est un régal à regarder, dans n'importe quel plan. Bien au-delà d'une palette d'expressions caricaturales, il joue en finesse un fier-à-bras bêta. Il joue avec intelligence un crétin.

La french touch. Le plaisir chauvin de retrouver les pires travers français, moqués mais aussi assumés comme tels, comme marque de fabrique. A cet égard, le dialogue du début, truffé de noms de familles tous plus franchouillards les uns que les autres, est un régal. L'arrogance, bien sûr, la supériorité affirmée au point de ne rien comprendre aux enjeux du monde, l'entêtement seul contre tous. Et finalement l'attachement qui en résulte.

Les clins d'œil. OSS117 est fait d'une pâte dense, pétrie de références : 007 grande époque, bien sûr, mais aussi Vertigo, La mort aux trousses ou encore Marathon man. Citations discrètes, elles ne ralentissent jamais l'avancée de l'histoire et ne vous poussent pas du coude pour dire "t"as vu c'est moi que v'là". Des références discrètes, pour qui les connaît. Les meilleures.

L'humour très particulier. Quelque part entre l'absurdité des Y-a-t-il un pilote dans l'avion, l'humour à froid des Monty Python, le rythme des meilleurs Gérard Oury, le comique parodique à la Gotlib... En tout cas, un ton très post-moderne, constitué de divers registres, tissé de plusieurs époques, jouant autant sur les dialogues que les situations.

Le stylisme, tout en retenue pour cette époque (les 60's) et ce lieu (Rio). Pas de clichés, pas de facilités. L'inverse de navets comme Austin Powers, cette nullité crétine et infantile. OSS117, malgré quelques scènes un peu longuettes et quelques facilités, s'inscrit dans le meilleur du cinéma parodique. Normal, c'est un film français.

fiche film et séances

In the electric mist

2009-04-14T03:01:00.000-07:00

Le silence des bayous

L'histoire

Un shérif poursuit un tueur et les fantômes de la Louisiane

Les plaisirs du film

Tommy Lee Jones. Dans le même rôle que No country for old men : un shérif désabusé, mais sans le second degré. Ici, plus dur, plus troublé, plus dans l'action.

La nervosité de la caméra. Un montage très nerveux. On entre dans chaque scène quasiment au milieu de l'action. Aucune longueur, pas de graisse, que du muscle. Les accès de violence, filmés en plans-séquences, impressionnent bien plus que s'ils étaient morcelés, montés en cut. Tavernier capte les explosions de TLJ avec une acuité impressionnante.

Le contraste entre ces scènes violentes et les plans-séquences métaphysiques en compagnie du général sudiste fantôme. Une grande sérénité émane de ces plans, très osés dans un thriller. Ils ne ralentissent pas l'histoire, ils lui donnent un arrière-plan, une consistance. Ils rappellent le poids du passé dans toute histoire présente. Poids du passé d'autant plus important en Louisiane : l'esclavage, l'ouragan.

La photo. La lumière travaillée par Bruno Keyser, le chef opérateur, rend à merveille la touffeur des bayous et toute la beauté d'une végétation luxuriante. Végétation qui abrite morts, spectres, psychopathes et alligators. Dans une brume électrique.

cliquer ici pour l'interview de Bertrand Tavernier à propos du film

fiche film & séances

In the electric mist

2009-04-03T01:54:00.001-07:00

Avant-première en présence de Bertrand Tavernier

Le film, thriller nerveux et métaphysique, se termine. Acteurs très bons, Louisiane superbement photographiée, intrigue claire et efficace. Applaudissements. Tavernier pénètre dans la salle encore plongée dans le noir. Seuls les premiers rangs, près de l'entrée, le reconnaissent. Un pas derrière la silhouette hitchcockienne de Claude-Jean Philippe, il regarde l'écran où défile la typo blanche sur fond noir du générique de fin. Dans ce clair-obscur, le grand corps massif du metteur en scène se dandine légèrement, au son de la musique cajun.

Fin du générique, les lumières se rallument. Nouveaux applaudissements. Tavernier et CJ Philippe se saisissent des micros soigneusement branchés avant la séance par le technicien de l'Arlequin, sosie de Philippe Delerm.

Le réalisateur, crinière blanche, petite écharpe vert olive, voix forte aux intonations parfois gouailleuses, répond aux questions du public. Il les écoute tête baissée, remercie et répond au quart de tour, sans hésiter à couper son interlocuteur. On le sent encore habité par son film, par un tournage long, par le désaccord avec le producteur : à l'arrivée, deux films sortent en même temps. La version producteur, aux Etats-Unis, en dvd. La version Tavernier, en France, au cinéma. La différence entre les deux ? Celle de Tavernier est plus proche du livre, plus elliptique, plus mystérieuse.

Il revient aussi sur les difficultés du tournage dans les bayous, avec des kilomètres de câbles à dérouler dans l'eau et la végétation. La joie de côtoyer Tommy Lee Jones et de réécrire sans cesse le scénario avec lui.

interview complète de Tavernier à lire sur Babyloner

Tokyo Sonata

2009-03-31T09:20:00.000-07:00

Qui va piano va sano

L'histoire

Le dérèglement d'une famille tokyoïte

Les plaisirs du film

La mise en scène. Les cadres sont superbes. A l'intérieur de la maison exiguë et très vite familière, la caméra se pose en différents endroits, souvent en emprisonnant les personnages derrière un premier plan : barreaux d'un escalier, étagères de la cuisine. Les verticales et les horinzontales, parfois composées comme un Mondrian, suggèrent un carcan. La table où se tiennent les repas, notamment, n'est presque jamais filmée deux fois sous le même angle. Selon l'avancée de l'histoire, le repas apparaît comme une photographie, un état des absents et des présents.

Tokyo filmé comme jamais. Ni le cliché de la ville ruche et effervescente, ni celui des cerisiers et des vieux temples. Un entre-deux, celui d'un quartier résidentiel ni riche ni pauvre, dense et fleuri.

La force des personnages. Le petit garçon, bien sûr, fil principal de l'intrigue, celui qui veut, le seul dont la boussole intérieure reste fiable, celui qui dit le vrai. Le grand frère, dans son insouciance, le père, formidable en bloc d'autorité peu à peu fissuré. La mère, en espoirs et en attente, réduite à son rôle mais tout à son rôle. La professeur de piano, support de l'aspiration platonicienne du petit héros : s'élever vers le beau/le bon par l'intermédiaire de la beauté tangible, comme celle des corps.

Le thème de la déréliction. Evolution d'une société minée de l'intérieur par son passé, par les influences occidentales dont les valeurs infiltrent et craquellent le modèle patriarcal, dont les marques, discrètement visibles à l'écran (fugue dans une Peugeot sur un parking avec McDo, révélation tragique dans un centre commercial...) remplacent les repères traditionnels de la société. Thème de l'effritement traité autour du licenciement du père : intéressant en cette période de crise.

La tonalité particulière de l'humour du film, parfois proche de l'absurde d'un Roy Andersson (en moins statique...).

La scène finale, qui serre la gorge.

fiche film & séances

Gran Torino

2009-03-31T09:16:00.000-07:00

Tu seras un homme, mon fils

L'histoire

Un ancien de la guerre de Corée et ses rapports avec ses voisins asiatiques

Les plaisirs du film

Le visage de Clint. L'essence du bonhomme dans cette face ravinée comme un lit de rivière à sec. Une épure impressionnante de dureté et de franchise.

Son auto-parodie. Raciste, dur et caricatural. Eastwood intègre ces traits, ceux qu'on lui a toujours reprochés, dans son personnage. Du coup, chargé à bloc, ce vieux bougon renverse la critique en grossissant le trait. Il surjoue le dur à cuire, notamment avec d'étranges grognements de bête, ou lors de ses face-à-face virils avec amis et coiffeur, ou contre de petits caïds : "vous n'avez pas remarqué qu'il ne faut pas croiser un certain genre de type ? Je suis ce type." On pense là à des répliques cultes de gros bras du cinéma, du genre I'll be back (Terminator).

Le transgenre : plusieurs genres dans ce film. Du thriller à la comédie franchement drôle en passant par l'étude de mœurs... Le brassage de ces genres se fait avec une grande fluidité.

La redécouverte d'un cinéaste aux grosses ficelles. Films souvent pesants, manichéens, filmés sans grande subtilité, sur des sujets tire-larme. Mais précisément, ces défauts sont de formidables qualités pour une comédie où l'intelligence, dans tous les sens du terme, joue le premier rôle.

L'unité de lieu. L'affiche suggère une équipée sauvage dans la nuit. Or on ne quitte pas une petite banlieue. Le cadre ainsi délimité permet de se concentrer sur le théâtre des personnages et sur la tragédie qui se trame.

L'envie de déguster les spécialités hmongs au plus vite (si quelqu'un a une adresse...)

fiche film & séances

Revolutionary road

2009-01-21T06:51:00.000-08:00

Titanic

L'histoire
Le naufrage d'un couple

Les plaisirs du film

Les retrouvailles avec Kate & Léo. Mûris, ils font oublier par de vrais rôles le consternant film-paquebot de Cameron. A la fois banals et très beaux par moments. Leur jeu exprime parfaitement l'évolution de leurs sentiments, surtout quand les dialogues, les mots tournent à vide dans ce couple usé avant l'heure.

La peinture de la vie en banlieue. Confort, conformisme. Qui produisent des dépressifs, des morts ou des imbéciles. Le propos est d'autant plus fort que Sam Mendes plante le décor dans "l'Amérique âge d'or". La douce période des années 1950. Le film en met en scène tous les clichés (dont le joli jet d'eau aux gouttes qui accrochent bien le soleil sur le gazon vert où jouent les gentils enfants blonds devant la maison proprette avec la voiture astiquée dans l'allée) pour mieux les miner de l'intérieur et les pulvériser. Deux regrets : la musique, un peu pesante, et un certain manque de sécheresse (à la Bergman ou à la Cassavetes) dans les scènes clefs.

L'acharnement avec lequel le film pilonne le thème de la médiocrité. Théâtre, voyages, vocations, toutes les fenêtres pour sortir d'une vie "jeu de rôle" se ferment les unes après les autres, conduisant le couple à gentiment se satisfaire des rails d'une vie toute tracée. Jusqu'au bout ? La révolution suggérée par le titre n'est-elle qu'une antiphrase ? Réponse dans les dernières scènes.

Le tout dernier plan. Un plan qui confère au geste anodin d'un personnage secondaire une puissance folle. Une rébellion symbolique au rouleau-compresseur du conformisme.

Le fou et sa lucidité.

fiche film & séances

Slumdog millionaire

2009-01-19T05:15:00.000-08:00

Questions pour un champion

L'histoire

Un jeune "pouilleux" gagne 10 millions de roupies à la télé. C'est louche. Il est suspecté et interrogé.

Les plaisirs du film

L'angle : le roman picaresque. Ce film reprend très exactement (sauf pour la fin), tous les éléments du genre picaresque (de picaro, "pauvre et futé" en espagnol - le roman référence étant La vie de Lazarillo de Tormes). Le héros, issu des bas-fonds de la société. La critique joyeuse, candide, des pires travers de cette société. La liberté de style : dans Slumdog, comme le roman du picaro, les codes explosent. Ellipses de temps, personnages grotesques appartenant plus aux contes qu'aux documentaires, passage par le répugnant et par le sublime. Et surtout, aux travers des milles mésaventures, rencontres, drames et farces, l'Initiation. C'est le point clef du picaresque, c'est le sujet du film. Comment Jamal apprend, déjoue les pièges, tire parti de ses expériences pour réussir et forge sa propre culture.

L'énergie. Communicative. Totalement pop, à l'image de la bande-son mixant le générique de Qui veut gagner des millions à des ritournelles indiennes et des airs bollywoodiens, le film entremêle les styles. Comme pour mieux faire ressentir les sensations du héros. Angles bizarres, saccades, accélérations, montage cut : le rythme ne faiblit jamais. Un chaos visuel, surtout pour la première partie (l'enfance), à l'image du maëlstrom hyper dense du bidonville. Rapide et superficiel, concernant l'Inde ? Invraisemblable pour ce qui est de l'intrigue ? Bien sûr. C'est précisément l'intérêt. Encore une fois, ce film est une fantaisie frénétique. Un conte speed, avec comme lampe d'Aladin le jeu télé et ses millions. Intéressant à comparer au mélancolique Darjeeling Limited.

Les entrelacements des rapports entres les 3 "mousquetaires". Le rapport des deux frères, qui rivalisent, se perdent, se retrouvent, se condamnent ou se sauvent jusqu'à la fin, en apothéose pour chacun des deux. Et la place d'Atika.

La jolie Freida Pinto.

fiche du film & séances

Les plages d'Agnès

2009-01-07T05:13:00.000-08:00

Quand vient la fin de l'été...

Article écrit par une invitée >
Véronique.
Merci à elle.

L'histoire

Le titre dit tout. La vie d’Agnès Varda

Les plaisirs du film

avant

Retrouver une cinéaste que j’aime,

Retrouver un univers fantaisiste

Feuilleter le livre de cinéma de la réalisatrice depuis les 60’

pendant

Revoir quelques passages de presque tous les films d’Agnès, ceux que j’ai vus, ceux que je n’ai pas vus, ceux que j’aimerais voir,

Faire des rapprochements avec sa propre vie

Créer, créer, créer

Est-ce que mes copains vont devenir des Godard ou des Artaux ?

C’est quoi mon paysage si on m’ouvre ?

après

Marcher à l’envers

Revoir les films d’Agnès Varda

Tout faire pour se concocter une vie aussi riche que celle d’Agnès Varda

Se rappeler les histoires de tous les objets de sa maison, (bannir Cinna, Conforama, Habitat, Ikéa …)

Aimer encore plus ses proches, les faire virvolter dans sa vie

Envoyer ses amis voir le film

Se fabriquer un collier de kumquat

fiche film
blog de Véronique

The spirit

2009-01-05T07:08:00.000-08:00

Miller tue le père
article écrit par un invité >
Nicolas, merci à lui.

L’histoire

L’adaptation millerienne du célèbre comic’s book « the Spirit » de Will Eisner.

Les plaisirs du film

Le graphisme, les plans et les multiples effets d’ellipse qui font le succès des bd de Fanck Miller. On retrouve par exemple les ombres chinoises chères à l’auteur, et des références à l’ensemble de son œuvre. Miller redimensionne un personnage le Spirit crée au crépuscule des années 30 et lui apporte ses thèmes de prédilection : la violence stylisée de Sin City, mélange d’effets de série B (on se bat à coup de tête décapitée) et d’effets visuels (le sang n’est qu’une couleur qui contraste sévèrement avec le reste de l’image), le stylisme pointu de chaque personnage, des décors lugubres et post-industriels, enfin son goût pour le vigilant solitaire, brisé et englué dans un destin maudit.

Le thème de la femme fatale, parfaitement incarnée par un casting insoutenable, car c’est assurément l’enjeu majeur du film, au delà d’un scénario attendu et prétexte. Si le Spirit d’Eisner était un grand niais distribuant des bourre-pifs avant de réfléchir, celui de Miller est tourmenté et manipulé par toutes les femmes qu’il croise : la bonne Miss Dolan (Sarah Paulson), le feu sous la glace, la brute Eva Mendes, mix latino de Lauren Baccall et d’une danseuse du Pink, et la truande Scarlett J, soubrette nazie glam. Ces trois bombes ne sont pourtant que les faire-valoir des deux dernières : la Mort, appelée Lorelei (Jaime King) qui chapitre le récit, et la Ville elle-même, Central City, sorte de Manhattan digital en Noir et Blanc, auquel le Spirit appartient et parle tout au long du film.

L’amour de Miller pour son père Spirit(uel) Eisner. Amis et auteurs d’un remarquable livre d’entretiens aux éditions Rakham, les deux dessinateurs se vouaient un profond respect teinté d’admiration. Bouleversé par la mort d’Eisner, Miller ne pouvait qu’envisager son vrai passage à la caméra (qui se souvient de Robocop2 ?) qu’en rendant hommage à son vieux maître, qui aura lâché le Spirit après 20 ans de bons et loyaux services.

Samuel L Jackson joue très millième degré et permet au film de s’éloigner de la pesanteur chère à Franck Miller scénariste et réalsiateur. La BD d’Eisner est enjouée et pleine d’humour, son adaptation ciné en manque souvent pour attirer un plus large public que les aficionados bédéphiles. Des monologues lourds et complaisants ralentissent le film.

L’affiche du film, qui porte la signature d’Eisner.

Les Converses du Spirit.

fiche du film
http://babyloner.blogspot.com
blog de Nicolas

Burn after reading

2008-12-18T02:08:00.001-08:00

Y-a-t-il un espion pour sauver mes implants ?

L'histoire

Même la CIA a du mal à suivre, alors...

Les plaisirs du film

La façon dont le film progresse, par poussées dans tous les sens. Après une exposition assez classique, la découverte d'un CD de données confidentielles dans un centre de gym allume la mèche. A partir de là, les destins s'entrecroisent de la façon la plus inattendue et forment une arborescence riche en surprises.

Frances McDormand, parfaite en hyper-frustrée hyper-contrôlée hyper-déterminée. En tension permanente, assez touchante dans son obstination, elle laisse derrière elle les prestations de autres acteurs, même parfaits, comme la pédiatre castratrice. Alors oui, Brad & George font leur numéro de gros bêtas, avec chacun ses manies (footing après l'amour, matière du sol, chorégraphies manuelles et coiffure eighties...). Mais comme souvent chez les frères Cohen, à part dans leurs films noirs (Fargo, sang pour sang, no country...), le style cartoon donne un côté un peu trop joué, un peu outré parfois assez fatiguant. Il faut reconnaître que la loufoquerie globale du film les fait glisser comme une gorgée de champagne un petit four trop salé.

Le jeu sur les codes des films d'espionnages. Ils sont tous là : filatures en voitures noires, oreillettes, hélicos... Mais au service d'une intrigue déjantée, pilotée par un couple de gens ordinaires dont un vraiment débile (Brad). Le principal plaisir est là : faire tourner à fond et à vide tous les rouages d'un film sur les services secrets. La disproportion entre la machine d'état et les enjeux des protagonistes (des seins refaits), qui rappelle par moment Dr Folamour. Du coup, certains passages obligés du genre "services secrets" deviennent hilarants. La transaction dans la voiture entre Brad et Malkovitch. La visite à l'ambassade russe. Les scènes à l'intérieur de la CIA qui suit l'affaire par dossier interposé.

Les bribes de réflexion sur l'amour à notre époque, combinaison de solitudes. Sur l'incapacité à se faire comprendre (accueils téléphoniques hostiles, incompréhension au sein des couples...). Sur la paranoïa engendrée par une société obsédée par le regard de l'autre sur soi (des implants aux performances sexuelles et sportives).

Malkovitch, magistral en symbole de l'ancien monde.

LE sex-toy.

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Two lovers

2008-12-04T04:51:00.001-08:00

Le cœur entre deux chaises

L'histoire

Deux femmes entrent dans la vie d'un homme en détresse sentimentale. L'une par le biais de ses parents, l'autre par hasard.

Les plaisirs du film

Le jeu des acteurs. Les deux femmes expriment deux aspirations contradictoires du personnage masculin. Vinessa joue à merveille la jeune femme compréhensive, pleine de vie, sans faille, sans aspérité et apaisante. Gwyneth excelle dans l'interprétation de la fille qui s'effondre sur elle-même, peu fiable, dont on a envie de s'occuper. Et Joaquin émeut par ses enthousiasmes sans issue, ses allures de gosse et son désespoir pudique.

Les plus beaux regards caméras depuis Monika ou Vertigo. Chacun des 3 personnages nous fixe au moment du film où il dévoile la vérité de son être.

Le thème du choix et de la liberté. Vinessa, Gwyneth et Joaquin forment donc un trio irrésistible. Ou plutôt les duos Vinessa-Joaquin et Gwyneth-Joaquin, car le film fonctionne par duos (couples ?) successifs. Intéressant d'examiner tous les couples du film : le couple passé, évoqué par un flash-back, une photo, quelques répliques. Les couples des parents, normatifs dans leur approche raisonnée de l'union. Les couples effectifs, phantasmés ou avortés entre Vinessa, Gwyneth et Joaquin. Le couple entre Gwyneth et son amant.

La couleur du film. Très sombre. Dans la photo, bien sûr : les extérieurs hivernaux, bleus, gris. Les intérieurs qui permettent des lumières travaillées pour rétrécir le champ et confiner les acteurs dans le cercle familial. Sombre aussi l'approche de ces histoires d'amour. Qui aime vraiment qui ? L'histoire paraît tragiquement jouée d'avance. Tragédie où se déroulent les retournements successifs, le cheminement parallèle des deux histoires, prises en étau entre les pulsions contraires des personnages et les motivations rationnelles de leurs entourages. A certains égards on pense à Shakespeare : le mariage de raison voulu par les deux familles/les deux maisons. Les tentatives d'échappatoires, la liberté qu'on tente de se créer. La dramaturgie des décors, comme le toit, vaine promesse de liberté... On ne peut pas s'en échapper, sauf en sautant. Il est le théâtre d'une très belle scène, l'union entre Gwyneth et Joaquin, consommée dans une sorte de chapelle, sur fond de cloches.

La possibilité de se dire que le personnage de Gwyneth n'existe que dans l'imaginaire de Joaquin. Une petite fée clochette, cristallisation du désir d'un homme réticent aux normes sociales et adultes. Gwyneth, petite lueur éclairée dans le mur de brique d'une arrière-cour, très jolie, mais inconsistante au possible et toujours frustrante.

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Mesrine : l'ennemi public n°1

2008-12-04T04:21:00.000-08:00

On prend les mêmes et on romance

L'histoire

A peu près celle de Mesrine, part 2

Les plaisirs du film

Le rythme. Par rapport au catalogue de dates feuilleté à toute vitesse dans le premier épisode, on prend son temps ici. Du coup, on comprend mieux les situations, on sent mieux les époques, on suit mieux les personnages. Dommage qu'on ne les pénètre toujours pas du tout.

La mise en scène. Bonne idée de filmer l'époque comme on l'aurait filmée à l'époque. D'autre part, les scènes d'action, claires et tendues, surprennent par leur efficacité. Curieusement, l'effet de répétition des braquages et des poursuites en voitures donnent à la longue un petit côté comique. Si on ajoute l'ambiance "roman de gare" due surtout au premier degré de tout les personnages et des dialogues, on obtient un film bien plaisant. Surtout que le duo Cassel-Amalric rappelle un peu les duos Depardieu-Pierre Richard ou Clavier-Reno.

Le parti-pris de jeu de Cassel. Epaissi, boursouflé d'orgueil, le personnage de Mesrine n'inquiète jamais. Au contraire, ses airs de Raspoutine d'opéra, d'ogre cruel et peu finaud, empêtré dans des considérations politico-philosophiques mal digérées, en font un grand pantin victime de lui-même assez réjouissant.

Gérard Lanvin, l'ovni de l'année en gauchiste marseillais emperruqué.

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Stella

2008-12-04T02:54:00.000-08:00

La Boum

L'histoire

1977. Stella entre en 6ème dans un lycée à l'opposé de son monde habituel - petit rade et vacances chez les chtis.

Les plaisirs du film

Le casting. Parfait, de la jeune Léora Barbara forte-tête discrète, à Guillaume Depardieu, maginifique. Biolay disparaît derrière son personnage, emporté par le tourbillon alcoolisé et enfumé du bar et mis au second plan par Karole Rocher, qui joue sa femme.

La finesse du traitement. Grande justesse dans la peinture des milieux. Celui de Stella, populaire, inculte et rigolard (cf le rite de l'oncle à Noël), celui de sa copine , cultivé et ouvert sur le monde. Pas de clichés dans ce récit parfois tendre comme le Petit Nicolas ou léger comme la Boum. La boum constitue d'ailleurs un morceau de bravoure, au sens propre pour Stella, du film.

Le parfum de nostalgie, accentué par le stylisme parfait. Un soupçon proustien éprouvé pour une période révolue, que l'on aimée et que l'on doit quitter parce qu'on grandit et parce que l'on sort de son milieu. Une ambiance à la Diabolo Menthe.

La séquence bienvenue chez les chtis, les vrais.

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Quantum of Solace

2008-11-04T02:27:00.000-08:00

Rien que pour les yeux

L'histoire

Bond, toujours à la recherche du tueur de Vesper ( Casino Royale), s'attaque à l'organisation criminelle qui a osé tirer sur M.

Les plaisirs du film

Le jeu de massacre : cette nouvelle version de Bond incarné par Craig, depuis Casino Royale, et plus encore ici, joue à massacrer les codes James Bond. D'où le chagrin des gardiens du temple. Mais où sont passés les "My names is Bond. James Bond.", les martini-vodkas, les gadgets, l'ironie du personnage, les Q et autres passages-obligés sans quoi ce n'est plus du Bond mais du Jason Bourne ? Où sont-ils ? Toujours là. Mais détournés, cités ou massacrés. Exemples : l'Aston Martin pulvérisée dans les premières secondes. Le générique avec le jeu des points renvoyé à la fin. Le cocktail dans l'avion - Bond ne sait pas ce qu'il boit et s'en tape. Très subtilement, le film fourmille ainsi de détails empruntés à la mythologie Bond, jusqu'à des références explicites comme la fille tuée au pétrole (Goldfinger).

L'audace. Le film rend le meilleur service au mythe en le tirant de passages obligés paresseux (de vraies trouvailles devenues au fil des films des tics, comme le méchant à l'œil torve et au chat sur les genoux, l'usine à gadgets pifs de Q, la séquence finale de la base qui explose pendant 1h), et en le propulsant pleinement dans son époque, la nôtre, sombre et inquiète, sans repères stables. Les meilleurs OO7 de la série restent ceux qui captent leur temps.

La nervosité. Ce Bond-là est violent, alcoolique, impénétrable et inquiet. Le film semble monté par le personnage à coups d'ellipses, de syncopes, de fracas sonore. Rien n'est grotesque ou ridicule. Les boursouflures de certains épisodes précédents, comme l'omniprésence écœurante des sponsors, ont disparu. Les blagounettes qui tombent à plat ont fait place à 2 ou 3 répliques drôles et précises. On est au plus près de l'os, en plein dans le muscle. Du coup, n'importe quel Bond antérieur ressemble à L'île aux enfants.

L'étrangeté du casting. On se remet difficilement de ce Bond ressemblant vaguement, selon les angles, à Poutine, à Houellebecq ou au méchant russe éternel. Mais son air buté, ses manières de butor et sa mélancolie noire font qu'on lui pardonne, un peu comme M lui pardonne, en mère indulgente envers son petit garçon (hyper)turbulent mais loyal.

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The visitor

2008-10-30T02:59:00.001-07:00

Le sens du rythme

L'histoire

NY. Un universitaire désabusé trouve un sens à sa vie en sympathisant avec un couple de clandestins.

Les plaisirs du film

La précision du jeu de Richard Jenkins (le père de six feet under). Présent dans chaque plan, l'acteur exprime par ses expressions et son corps tout le poids de la solitude, ainsi que les hésitations, les difficultés à fendre l'armure.

Le thème du rythme. De la leçon de piano, première scène du film (avec une méthode de position des doigts qui rappelle la métaphore hitchcokienne du train s'enfilant dans le tunnel) à la scène superbe de fin. L'universitaire, devenu une coquille vide, dont la personnalité tout entière tient sur son badge de conférencier, trouve un sens à sa vie. Le sens du rythme : rythme à 3 temps du djembé mais aussi rythme du cœur.

Le ton du film, sur le fil. Certaines scènes dévient dangereusement vers le mélo, mais toujours lui échappent, allégée par l'humour, les détails intelligents (repérer le travail sur les nationalités, avec accents, langues, drapeaux...) ou le non-dit.

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Mesrine 1

2008-10-28T07:01:00.001-07:00

Bang bang

L'histoire

A peu près celle de Mesrine.

Les plaisirs du film

Les époques. Comme le film court sur plusieurs décennies, il fait des sauts de dates en dates. Côté pile, on va vite, on avance, comme le personnage enquille les personnalités comme un Fregoli malfaisant. Côté face, l'impression frustrante de ne pas s'installer dans les scènes et de ne pas connaître les personnages.

La french touch. Pour chaque date, l'époque est restituée de façon savoureuse. Avec toujours cette légère fausseté propre aux films français, cette impression de scénario un peu simpliste, de stylisme un peu trop appuyé, de perruques et de déguisements, que ne donne pas l'approche américaine. Les films US dans cette veine (Casino et autres Boogie nights ou We own the night) donnent vraiment l'illusion que la caméra se promène dans une époque. Pourtant, on voit ici l'effort de se rapprocher des modèles outre-atlantique dès le générique, en split screen, ou dans les scènes d'action. Mais il manque une certaine subtilité, ou un sens du détail.

Depardieu. Superbement filmé, gros plans où la lumière de son rade sculpte ses traits comme jamais. Parrain inquiétant, avec un petit tic de bouche à la Lecter (scène du chianti dans Le Silence des Agneaux).

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Les sept jours

2008-08-08T02:56:00.001-07:00

7 jours à tuer

L'histoire

Israël, 1991. Selon la tradition, les proches d'un défunt se réunissent dans sa maison pendant 7 jours. Cohabitation cathartique.

Les plaisirs du film

La scène d'ouverture, déroutante, désopilante et terrible. La truculence tragique de ce chœur masqué, la longueur et la violence de cette scène fellinienne contrastent avec la suite : des plans-séquences si maîtrisés qu'ils font éprouver la tension du huis-clos.

Le côté "film noir". Le grand nombre de personnages, tous en noirs, dans cette maison aux murs blancs, crée un effet graphique très fort. Peu à peu les personnalités émergent de ce réseau impénétrable. Les individus se dessinent peu à peu. Les caractères, les relations, esquissés ou suggérées, demandent une attention de notre part. Mener l'enquête dans cette famille pour en comprendre les ressorts.

Les huis-clos dans le huis-clos. A plusieurs reprises, on assiste à des scènes entre deux ou trois personnages (les frères, les rivales...) dans une des pièces de la maison. Cet effet "maison de poupée" ouvre des portes sur des névroses, des non-dits, des drames.

Ronit Alkabetz.

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Diary of the dead

2008-06-26T07:08:00.001-07:00

Second life

L'histoire

Une petite équipe de tournage fuit l'avancée des morts-vivants.

Les plaisirs du film

Le film de genre. Comme un polar ou une comédie romantique, le film de zombies emprunte certains passages obligés, quitte à les détourner.

Le rythme Romero : chez lui, depuis le premier film, le zombie est une créature lente, pesante, coriace parce que tenace. Conséquence, c'est le nombre grandissant de zombies qui réduit l'espoir pour les vivants.

Le zombie pierre de touche. Romero lance ses morts-vivants dans nos sociétés, décennies après décennies, pour révéler ses travers. Cela a pu être le racisme, la société de consommation, c'est aujourd'hui le monde virtuel.

La question posée. Et si les morts-vivants étaient ceux qui passent leur temps hors de la vie, devant un écran ? Le renversement final : la terre envahie de morts-vivants, les vivants n'existant plus que sur internet, gigantesque archive de l'humanité avec ses blogs, ses news et ses youtube.

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La personne aux deux personnes

2008-06-19T02:24:00.001-07:00

Rencontre du deuxième type

L'histoire

L'esprit d'un chanteur ringard se retrouve dans celui d'un comptable ringard.

Les plaisirs du film

Daniel Auteuil, dont les expressions, la folie rentrée et les accès de délire font merveille et transportent le personnage dans une autre sphère que le film, pesant par ailleurs : l'injection de l'esthétique "Messages à caractère informatif" et l'outrance du stylisme (le canabureau du domicile de Ranu) confèrent au film une ambiance déréalisée assez gratuite. Si, comme annoncé, il s'agit d'une charge contre la machine à décérébrer de l'entreprise, pourquoi ce choix ? On a l'impression de retrouver le Bidule, mixé avec d'autres trouvailles du Canal+ d'antan. Ringard.

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site officiel la personne aux deux personnes

Sagan

2008-06-16T06:12:00.000-07:00

Bonjour vitesse

L'histoire

A peu près celle de Françoise Sagan

Les plaisirs du film

La rencontre. Rencontre entre une actrice et un rôle (Testud-Sagan) et rencontre entre deux actrices (Testud-Balibar) pour porter à l'écran la rencontre entre un écrivain et son siècle.

La vitesse. On file d'années en années, on enquille les décennies, on aligne les repères temporels bien visibles (musiques, stylisme à la limite du cliché) : résultat, on ne s'ennuie pas, mais on passe à côté des enjeux de l'époque, des sources d'inspirations culturelles de Sagan, de la gravité mélancolique de cette femme. Le montage souvent à la serpe donne l'impression d'avoir pratiqué de larges coupes sombres. Dommage, on aurait aimé s'attarder dans certaines époques, plutôt que subir des artifices aussi navrants qu'une structure en flash-back, une voix off et une scène finale hallucinante de kitsch sur fond de coucher de soleil.

La désinvolture. Si le film ne restitue pas comme on l'aurait espéré les ambiances ni l'impertinence et l'intelligence de Sagan, Testud la rend légère et aimable. Le cercle de ses intimes, bien que là encore trop caricatural (on regrette la patte Sautet pour saisir les finesses de relations amicales et amoureuses), donne des envies de bohème dont le luxe est l'insouciance. Rafraîchissant en ces temps de principes de précaution d'entendre quelqu'un vouloir dilapider son "capital santé". C'est l'image d'une vie consommée/consumée sans filtre.

La diction de Sagan. Testud ressuscite le débit rapide, définitif et ravissant de petite fille butée. C'est un plaisir.

Balibar. Lorsqu'elle est à l'écran, on peut quasiment parler d'un film dans le film. Il bascule dans une dimension plus intéressante, plus déjantée, moins téléfilm. On retrouve enfin la fantaisie désespérée de l'univers Sagan. Le couple d'actrices compose un duo très touchant et Testud trouve une partenaire de jeu aussi forte qu'elle, qui met donc encore plus en valeur sa performance.

Certaines répliques, dont "Où as-tu mis mon deuxième sexe ?" lancée par Paola.

L'envie de relire ses livres ainsi que Les rues de ma vie de Bernard Franck ou la biographie Sagan à toute allure qui détaille le décor et son envers.

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site officiel sagan

Sex and the city

2008-05-28T07:05:00.000-07:00

Cash and Carrie

L'histoire

La quarantaine pour les 4 NYaises

Les plaisirs du film

Les efforts pour s'éloigner de la série. Dès le générique, l'original est mis à distance, remixé. Ensuite, les références fréquentes à l'âge (Carrie presbyte, Sam ventripotente, les années 80 présentées comme la préhistoire...) appuient le propos : nous sommes à présent dans d'autres histoires, celles de la quarantaine, plus graves, mais toujours aussi Manolo.

Quelques idées à glaner pour gagner en fashion : fêter la St Valentin en mangeant des feuilles d'artichauts, dormir avec un sautoir de perles, se séparer à coups de sushis.

Le cash. On parle cash (mais moins que dans la série à cause des enfants), on brasse du cash, on fait casher les marques. C'était rigolo en 2000, mais à présent c'est légèrement anachronique. Un peu comme revoir M. Douglas dans Wall Street.

Evite l'effort de tourner les pages du Vogue ou de cliquer sur le Sartorialist. Le film fait défiler les fringues, du survet à la robe de femme enceinte.

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Un conte de Noël

2008-05-23T01:40:00.001-07:00

Les liens du sang

L'histoire

Noël. Grâce à la maladie de la mère, retrouvailles familiales pour Henri, banni 6 ans plus tôt.

Les plaisirs du film

La cruauté. Certaines répliques, surtout celles du personnage de Deneuve, par leur sincérité et leur brutalité, surprennent et amusent.

La densité. Très écrit, le film brasse avec maîtrise et vivacité une quantité impressionnante de personnalités, de sentiments, de thèmes, de musiques. Les jeux d'entrelacements entre les époques, les noms, les relations, les références tissent une matière dense, irrégulière et séduisante.

Chiara Mastroianni.

Le jeu des références. Dans ce film, tout renvoie à quelque chose. Soit à un élément interne au film, soit à un élément du monde de Desplechin (les noms des personnages, les acteurs, l'humour froid, le goût de transgresser), soit à un élément culturel. Ces films, livres, artistes apparaissent comme des contrepoints ou des révélateurs à certaines scènes. Pourtant, ces auto-références permanentes peuvent agacer, comme des bijoux superflus. Le style est parfois un peu khâgneux, entre envolées personnelles réjouissantes et citations trop voyantes.

La famille à vif. La famille est ici présentée sans sa peau (de convenances). On voit les muscles et les tendons (névroses, passages à l'acte).

L'ambiguïté entre la justesse et l'artificiel : le film est par moment très juste et très fin. Et à d'autres moments très gadget. Beaucoup d'affèteries stylistiques, comme les ouvertures ou les fermetures au noir, les intertitres (dont la typo atroce renvoie aux pires navets gores de série Z) : le metteur en scène rappelle sa présence par ces détails inutiles. Il ferait sans doute mieux d'user de son grand talent pour laisser de côté cette part de jeu et se rapprocher de l'os.

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Indiana Jones et le royaume du crâne de cristal

2008-05-22T04:40:00.000-07:00

Les aventures d'un héros perdu

L'histoire

Indiana Jones se lance à la recherche d'un crâne de cristal aux pouvoirs surnaturels.

Les plaisirs du film

L'esthétique indianajonesienne. On aime ce qu'on retrouve : temples maudits, lianes, toiles d'araignées, recoins obscurs éclairés de puits de lumière, décors de studio évidents, méchants caricaturaux, poursuites, musique... Et les invraisemblances, présentes dans tous les épisodes et constitutives de l'ADN de la saga, ici pas plus choquantes que dans les 3 premiers épisodes. Quant aux nouveautés, pas grand chose à sauver. Visuellement, le film démarre très mal, par une marmotte 3D ratée et hideuse à souhait. Un détail, mais de mauvaise augure. Pour le reste, plutôt que lancer Jones dans une nouvelle aventure excitante, on le largue dans les années 50 : il traverse donc un épisode de Happy days, puis un flash-back de X-files... pour finir dans une chapelle digne de la croisière s'amuse. On se pince pour croire à cette fin aussi tarte. On se force -en vain- pour trouver un intérêt au fils, benêt pré-pubère, débarquant dans le film comme le Marlon Brando de L'Equipée sauvage au rabais, pour se révéler comme un mixte ridicule entre Fonzie et Errol Flynn. Ce rejeton falot est peut-être, malgré lui, le seul élément drôle du film, dont les traits d'humour forcés arracheraient à peine un sourire sous gaz hilarant.

Se demander s'il faut ressusciter les héros de notre enfance. Présenté comme un film à l'ancienne, IJRCC semble en effet daté à chaque image, y compris les images de synthèse. Finalement, le plus frais est peut-être Harrison Ford, beau "senior" aux allures de lion usé. Mais le brio a laissé la place au radotage. Quelqu'un a vieilli. Spielberg ? Lucas ? Le personnage de Jones ? Nous ?

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site officiel indiana jones

Deux jours à tuer

2008-05-01T05:26:00.000-07:00

Je suis venu te dire que je m'en vais

L'histoire

Un homme se livre à un jeu de massacre avec ses proches avant de prendre le large.

Les plaisirs du film

Dupontel, moteur du film dans ce rôle très cadré. Il insuffle à un rôle bien conventionnel une grande force. Flirtant avec la folie dure de ses personnages (Bernie ou Enfermé dehors), rappelant dans certaines intonations le meilleur Depardieu, il entraîne tout le film à sa suite. Formidable dans les scènes "cruelles", mais aussi dans une partition plus sobre, retenue.

La première partie du film, la plus réjouissante évidemment. Bien menée, malgré les fausses pistes qui ne fonctionnent pas vraiment, elle atteint son but avec le point d'orgue de la soirée d'anniversaire. Ensuite, le scénario se déroule de façon bien convenue, prévisible, incorporant des personnages peu vraisemblables, dans une esthétique de publicité pour potages ou café soluble, sans mégoter sur les lumières dorées, la musique redondante ni "le goût des choses simples". Comme Dupontel nous prédispose favorablement, on trouve certaines scènes réussies, ou agréables. La fin, quasiment gênante par sa maladresse, déçoit : tout ce qu'on avait compris est lourdement explicité. C'est un film à l'envers, il commence dur et finit mou.

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site officiel deux jours à tuer

My Father, My Lord

2008-04-28T12:51:00.000-07:00

Mon père ce héros ?

L'histoire

Jérusalem. Un petit garçon pris entre son éveil au monde et l'éducation religieuse donnée par son père rabbin ultra-orthodoxe.

Les plaisirs du film

La délicatesse. Délicatesse du propos, loin des caricatures : le père n'est pas un monstre sadique, mais aimant, à sa manière et dans le cadre de son engagement religieux. Délicatesse de la photo et de la mise en scène : le film passe peu à peu du jaune, solaire, au gris. La lumière saisit la peau, les matières et les expressions. La caméra restitue le regard que pose le petit garçon sur les choses et les êtres, ses rares tentatives d'échappées. Délicatesse et beauté du jeu des comédiens, dont les visages et les regards expriment l'essentiel, là où les mots (pour l'essentiel ceux des règles de la Torah) paraissent bien artificiellement plaqués.

La force de la simplicité du scénario, du ton très personnel, de certaines scènes très puissantes visuellement (la Mer Morte) et symboliquement (le nid), la chute finale des livres sacrés.

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Funny games U.S.

2008-04-27T05:25:00.000-07:00

A qui le tour ?

L'histoire

Deux jeunes gens soumettent une famille modèle à des jeux meurtriers.

Les plaisirs du film

Naomi Watts, formidable dans l'approche de son personnage courageux et volontaire. Le crescendo de ses émotions se distingue par une grande justesse et une certaine étrangeté un peu grave, sans doute héritée de son immersion lynchienne (scène de l'audition dans Mulholland drive). Elle a le chic pour retourner son apparence un peu oie blanche et donner à ses rôles une épaisseur surprenante.

Le jeu des références et des différences (Funny games 1, Natural born killers, Orange mécanique...). Les caractères des tueurs, la gratuité de leurs actes, leurs tenues très étudiées, leur approche ludique de la barbarie, la critique sociétale...

L'excellente mise en scène, qui permet d'oublier le déjà-vu du propos. Si le premier film était en avance, ce remake est en retard. Bien sûr, la violence des jeunes, la violence gratuite, est plus que jamais d'actualité. Mais un film de plus... Avec le bon vieux débat sur le mélange réalité/fiction (sur le bateau, où "le réel" est brutalement évacué, d'un coup de coude, dans le lac). Oui, ok les deux psychopathes se comparent eux-mêmes à des personnages de cartoons (Tom & Jerry, Beavis & Butthead), mais bon... Et le "coup de la télécommande", et les regards caméras... Paradoxalement, ce dernier procédé grossier ne brise pas du tout l'illusion de la fiction, mais la renforce : le spectateur est bien plus complice dans son rôle passif que regardé en face par le méchant Michael Pitt. La subtilité de la réalisation s'en trouve plombée, mais sans nuire à l'efficacité de l'ensemble. A noter la violence physique presque toujours hors-champ.

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Rec

2008-04-22T04:45:00.000-07:00

La fête des voisins

L'histoire

Une reporter et son cameraman pris au piège dans un immeuble mis en quarantaine et peuplé de zombies.

Les plaisirs du film

La fraîcheur de l'attaque. L'origine du Mal, le respect de la régle dramaturgique classique des unités de temps, de lieu, d'action, ainsi que l'humour très présent rafraîchissent un peu le thème ultra-vu et revu des zombies cannibales. La progression, du hall d'entrée aux combles de l'immeuble, bien menée, jusqu'au zombie final, pas mal goupillé(e).On sent une énergie et un amusement de la part des réalisateurs, plus brillants à mixer des "déjà-vus" (décors, effets, zombies criards, maquillages, jeux vidéo...) qu'à créer une surprise et à susciter une vraie peur. Le revers de cet enthousiasme : plusieurs invraisemblances qui nuisent au climat d'angoisse, des personnages caricaturaux, des longueurs.

La curiosité. Ce Nième film caméra légère, dans la lignée des Blair Witch, Cloverfield, sera-t-il si différent ? Réponse, non. On retrouve la principale qualité du faux docu : le regard prisonnier du champ de vision de la caméra, d'où les jeux avec le hors-champ, la vision nocturne, etc... Ici, en plus, dans les dernières minutes, la caméra comme moyen de survie.

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Lady Jane

2008-04-10T06:55:00.001-07:00

La vengeance dans la peau

L'histoire

Marseille. Pour retrouver son fils enlevé, Muriel fait appel à ses anciens complices.

Les plaisirs du film

Marseille, dans son jus. Là où MR73 clichetonne, ici on retrouve les ambiances de la ville, de la gare aux déserts portuaires.

La tentative de Guédiguian de s'attaquer à un autre genre que le mélosocial. Il tire les ficelles d'un polar sombre et prenant à souhait, tout en conservant une sorte de candeur : certains personnages caricaturaux, un scénario qui se résout avec trop de facilité, des arrière-plans politiques un peu grossiers (tv allumée sur le conflit israélo-palestinien pour dire le cercle infernal de la vengeance sans issue).

La fidélité au parti pris de la noirceur. Personnages sombres aux activités semi-clandestines, nombreuses scènes nocturnes en milieux interlopes, mécanique implacable de la tragédie en marche. Du coup, les acteurs habituels du réalisateur paraissent révéler des facettes totalement neuves de leur jeu, Darroussin en tête, aux allures furtives de bête féroce.

La réussite de certaines scènes, dont celle de la remise de rançon à la gare : un moment très efficace de suspense construit avec légèreté.

La présence du passé, très habilement gérée. Pas de flash-backs faciles, à part celui du parking, assez dispensable finalement. Le passé, tapi en ogre invisible et omniprésent, se trouve dans les silences, dans les sentiments morts que l'on voudrait raviver, dans un terrible secret commun (accablant pour tous les personnages du film, le trio mais aussi leurs proches et le kidnappeur), dans une gloriole de jeunesse (Lady Jane, la chanson des Stones, date de 1966), dans la difficulté -l'impossibilité- de se réinventer un présent. Les trois personnages principaux sont les fantômes d'eux-mêmes.

paroles de Lady Jane
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La Zona

2008-04-01T08:27:00.001-07:00

Quartier de haute insécurité

L'histoire

Un jeune homme des quartiers pauvres pourchassé dans un village de riches.

Les plaisirs du film

Le scénario, tout en rebondissements, surprend sans cesse, avec toujours un coup d'avance sur le spectateur : bonne surprise vu le sujet a priori un peu court du film. Il s'agit moins d'un film d'action, d'un thriller, que d'une implacable démonstration. Toutes les pièces du jeu tragique sont posées dès le départ. On assiste à leurs déplacements sur ce terrain clos du quartier bunkerisé, à leurs prises, à leurs retournements.

La mise en scène sèche, dépouillée, souvent inventive, servie par une belle photo et d'excellents acteurs, accélère encore le mouvement. Une mécanique implacable dont tous les engrenages se mettent en branle les uns après les autres.

Le propos. Une réflexion sur l'enfermement et ses conséquences. La consanguinité des mentalités. La sécurité paranoïque. L'extérieur menaçant comme définition de sa propre existence. La violence larvée qui exige son bouc émissaire. Les enfermés volontaires de cette cité se trouvent symboliquement à leur place : dans une prison - même dorée. En fin de compte, cette cité ressemble à une loupe, elle grossit les vices de la société sur laquelle elle est posée, dont la corruption.

Les îlots d'humanité émergeant dans ce paysage de salauds. Les remords du vieux barbu. La rencontre adolescente. Les dernières images, même ambiguës à cause de la voiture, toujours présente et sécurisante.

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J'ai toujours rêvé d'être un gangster

2008-03-26T07:27:00.001-07:00

Les totos flingueurs

L'histoire

Les destins de gangsters losers de tout poil se croisent autour d'une cafétéria.

Les plaisirs du film

Le cran de s'imposer des règles du jeu difficiles : cadre carré, noir&blanc, humour à froid, découpage en sketches. Du coup, le film est forcément une curiosité, attachant comme tel, malgré le "faux rythme" de certains passages. Une volonté d'écrire dans un style personnel.

Anna Mouglalis. Sa démarche de catwalk pour porter un plateau de pressions, épaules en arrière, la tête tirée par un fil vers le ciel. Son jeu frémissant, aux aguets comme une biche dont elle a aussi les yeux. L'humour détaché dont elle fait preuve ici, en apportant toujours un décalage à son vrai-faux personnage de serveuse, par son physique, sa gestuelle, sa voix-allure.

La poésie des situations et la justesse du jeu, notamment dans Pourquoi tu veux mourir, petite ? et C'est fou ce que le monde change, dans lequel on savoure les retrouvailles avec Terzieff, superbe acteur de théâtre habité, et avec Jean Rochefort, dont une scène (l'évocation du plaisir de pisser dehors à l'aube) emporte le morceau.

La famille cinématographique et artistique que Benchetrit crée. On sent l'amour tisser les liens d'une tribu. Amour pour Anna Mouglalis, bien sûr. Mais aussi pour Trintignant, dont on aperçoit le portrait jeune homme. Pour les musiciens et les chansons de la BO. Pour les comédiens du film, et pour les autres, pour les cinéastes (Jarmusch) ou les films (on pense à Buffet froid). Et pour sa fille, au sein sur l'affiche.

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Monika

2008-03-25T06:59:00.000-07:00

La parenthèse enchantée

L'histoire

Un jeune couple quitte le fracas de Stockholm pour un été d'amour et d'eau fraîche, avant le retour aux choses sérieuses.

Les plaisirs du film

Le visage d'une stupéfiante mobilité du sex-symbol de l'époque, Harriet Anderson, "génie cinématographique" selon Bergman lui-même, âgé de 35 ans en 1953, quand sort Monika.

Le premier regard caméra de l'histoire du cinéma, tellement dense et intense qu'il en devient indéchiffrable, ce qui interdit de réduire le personnage de Monika à aucun cliché : femme libérée, monstre d'égoïsme ou manipulatrice.

Le travail remarquable sur les sons, du vacarme de la ville, exploré dans toutes ses nuances, au silence de l'île.

La beauté de la parenthèse de l'été, avec une nature primitive magnifique, rehaussée par le noir et blanc. La sauvagerie des personnages tout entier à leur plaisir, leur fantasme du "toi et moi contre le monde entier". Le retour à l'animalité, lors de la scène du rôti.

La troisième partie du film (après la première, la ville oppressante et la deuxième, l'état de nature), scène de vie conjugale. Le fruit de la liberté totale est un enfant, jeté dans cette idylle comme un pavé dans la mare, comme un rappel brutal du principe de réalité.

Le style : les débuts du Bergman disséqueur des couples, mais aussi certaines scènes empruntant au néo-réalisme italien (la famille de la jeune fille) et d'autres annonçant la nouvelle vague.

site film
bergmanorama

MR 73

2008-03-21T04:02:00.000-07:00

Les brigades du pire

L'histoire

Marseille. Un flic cassé pourchasse un serial killer malgré sa hiérarchie.

Les plaisirs du film

Daniel Auteuil, brisé et victime comme jamais, seul "élément" juste du film.

Le délire du chef décorateur. Les intérieurs relèvent tous du grand art. Les bureaux de la police prennent des allures de lofts industriels new-yorkais, la soupente d'Auteuil est un boudoir montmartrois, la clinique une demeure lubéronesque, les maisons des flics ou des victimes des villas de 500 m2 avec au minimum piscine à débordement face à la grande bleue. Et comme le formalisme épuisant et grotesque écrase l'histoire et les personnages, le film se regarde un peu comme on feuilleterait Elle déco, avec quelques cadavres dans les coins. Le grand barnum esthétisant bat son plein avec les lumières cramées, avec le stylisme surréaliste : voitures de stars pour la brigade, et la trouvaille, des lunettes aux verres rouges pour Auteuil, celui dont le passé ensanglante le regard à jamais. Epuisant.

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Hôtel Chevalier

2008-03-20T05:58:00.001-07:00

Court mais trash

L'histoire

Les retrouvailles sexuelles d'un couple.

Les plaisirs du film

D'abord, que ce petit film existe : ouvrir la séance par un court-métrage est une bonne idée. Une sorte de mise en bouche, d'antichambre au style contemplatif, formel et fourmillant de détails de Wes Anderson. Par rapport à The Darjeeling Limited, sa fonction est un prologue, détaché de la suite par son propre générique de fin. Une bulle jaune pâle un peu triste avant l'éclatant jaune indien.

Le propos désabusé du film, où volontairement tout sonne faux, de la chanson "vieux Paris" aux retrouvailles forcées. Où tout retombe. Le travelling au ralenti annonçant le mouvement du train entraînent les deux personnages en peignoirs sur le balcon, face à une vue bloquée par un immeuble. Echec.

Natalie Portman surprend, stylée par Anderson, en trench et cure-dent, puis joliment nue. Elle rappelle un peu, par ses cheveux courts et par la situation (l'atmosphère "so Paris", l'amour en chambre, le partenaire fugitif), la Jean Seberg d'A bout de souffle.

Long-métrage The Darjeeling Limited

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site officiel hôtel chevalier

The Darjeeling Limited

2008-03-20T05:57:00.001-07:00

Cosmic trip

L'histoire

Les retrouvailles spirituelles de trois frères en Inde.

Les plaisirs du film

Le style. La patte de Wes Anderson, avec ses personnages plutôt grands enfants, au squelette affectif apparent, sans véritable peau d'adulte. Ses histoires de familles éclatées en caractères uniques et indissociables, artificiellement réunis à l'occasion d'une quête, comme dans The Royal Tenenbaum ou Aquatic Life. Ses trouvailles (le train égaré). Sa façon de filmer, ici en imitant le train, par l'utilisation de travellings latéraux ou avants, articulés par des rotations sur axes très étudiées. Un cadre d'une superbe précision. Son élégance absurde, sorte de dandysme subtilement loufoque. La nouveauté essentielle de Darjeeling réside dans une espèce de lâcher-prise. Le film semble moins rigoureusement construit que les précédents. Et le scénario montre que l'inattendu, l'accident, révèle beaucoup plus que le programmé.

Le stylisme est un régal. Les malles monogrammées aux initiales Whitman, symboles du fardeau de l'héritage familial, les intérieurs du train, les tenues des trois frères, toujours savamment insolites, dépareillées ou détournées.

La stylisation. Bien sûr, il s'agit d'une Inde revue et corrigée, plus proche des chromos 1950 et d'un bollywood chatoyant que des réalités sociales et quotidiennes. Anderson transporte le continent dans son propre théâtre. Et pourtant, au travers des couleurs solaires, des rites soigneusement décrits, des personnages, passe une Inde grave et belle.

Le détachement mi-amusé, mi-triste éprouvé devant les angoisses enfantines, les gesticulations vaines, les rites puérils et les relations touchantes de ces trois frères. Le plaisir de retrouver Bill Murray, Angelica Huston et Kumar Pallana, caché dans le train. L'agréable paresse à se laisser transporter dans ce train, sans vouloir forcément y voir une métaphore de la vie, sans décrypter à tout prix les névroses occidentales révélées sur le fond antithétique indien, sans aller chercher les schémas œdipiens. Tout cela fait bien sûr partie du trip, mais la fantaisie permanente du Darjeeling Limited nous dit que l'essentiel est ailleurs et difficile à atteindre sans légèreté.

Court-métrage prologue Hôtel Chevalier

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Il y a longtemps que je t'aime

2008-03-19T06:54:00.001-07:00

Les autres

L'histoire

Juliette sort de prison après avoir purgé 15 ans pour le meurtre de son enfant. Sa sœur Léa l'accueille chez elle.

Les plaisirs du film

L'interprétation magistrale de Kristin Scott Thomas. Durant tout le film émane d'elle une puissance discrète. Au début, fermée, dure, elle joue avec une subtilité remarquable l'agacement, la souffrance de retrouver la vie. Peu à peu, elle éclaire son personnage de l'intérieur, par touches discrètes, par avancées fragiles. Grâce à la comédienne, ce cheminement domine tout le film, au point que le scénario passe au second plan. Ce personnage fascine.

La manière de filmer le banal. Cafés, intérieurs de maisons, bureaux : la normalité apparaît dans tout son beige, son flou, son gris. Rien n'émerge, ne dépasse. Alors évidemment, sur ce fond médiocre, le secret de Juliette paraît d'autant plus monstrueux.

Le thème de la mort et de l'enfant, distillé par indices : le couteau brandi par Léa pour couper l'ananas, le terme de "tueuse" appliqué à la carrière professionnelle, le titre d'un livre Orphelin, l'ange du musée...

L'hommage rendu à la lecture, pratiquée par tous les personnages à un moment ou un autre du film, par le grand-père, véritable Victor Hugo du Post-it, par le père lexicographe footeux, par les enfants. Et plus généralement les citations visuelles ou sonores d'œuvres et d'artistes (affiche de Lubitsch, Kurosawa et Rohmer dans les conversations...).

La maladresse assez attendrissante de certaines scènes, comme la séquence Nescafé du week-end feu de bois, de la musique lourdement illustrative de Jean-Louis Aubert, le stylisme un peu trop "vraisemblable" pour être juste...

Le propos assez fin sur la frontière entre soi et les autres. Les premiers moments du film insistent sur la distance entre Juliette et ceux qu'elles croisent, tous insupportables, de l'assistante sociale odieuse de banalité à sa petite nièce et ses babillages... Cette frontière sépare Juliette de ceux qui n'ont pas tué. De ceux qui n'ont pas fait de prison. Mais elle sépare aussi ceux qui savent qu'elle a tué de ceux qui ne savent pas. Pour ramener Juliette, il faut passer de l'autre côté de la frontière.

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L'heure d'été

2008-03-17T06:27:00.001-07:00

Nous n'avons pas les mêmes valeurs

L'histoire

Une fratrie hérite de la maison de famille et de la collection privée du grand-oncle artiste peintre. Qu'en faire ?

Les plaisirs du film

La question de la valeur : quelle valeur accorder à une œuvre, une maison, un objet ? Quelle valeur doit primer ? Financière ou sentimentale ?

La fluidité de la réalisation, qui joue finement sur le temps, notamment grâce aux ellipses. L'histoire avance ainsi en s'attachant aux moments importants, sans passer par toutes les étapes de la narration (mort de la mère par exemple). Assayas peut ainsi s'attacher à ces moments pour leur tourner autour et en capter tous les détails révélateurs, ceux qui en font la justesse (la distance de la mère pendant le déjeuner, vis-à-vis des cadeaux, de ses enfants...). La photo, limpide, est superbe.

La réflexion sur la transmission. Du double héritage (la maison de famille et la collection privée du grand-oncle) très encombrant, que reste-t-il à la fin du film ? Sur l'écran se croisent plusieurs générations, avec leurs vies, leurs codes, leurs aspirations. Mais quels fils les relient ? Qu'ont-elles à se dire et à se transmettre ? Frédéric, le personnage joué par Berling se trouve au carrefour de toutes les aspirations contradictoires. Sa mère lui confie l'héritage familial. Lui veut le conserver. Sa sœur et son frère veulent le réinvestir. Son fils s'en fiche ("une autre époque" - pas la sienne). Frédéric, écartelé entre deux époques, trouve assez difficilement sa place : que transmettre à ses enfants adolescents ? A sa fille qui reste muette, à son fils qui le chapitre sur les joints ?

Le portrait de famille. Les personnages, joué avec un plaisir communicatif par des interprètes parfois dans des contre-emplois réjouissants, comme Rénier en yuppie, Binoche en designer hype et paumée... Les moments "de famille", comme les retrouvailles vibrionnantes d'enfants qui courent partout, les gigots au four, les départs qui laissent vide une maison, le cognac vautré dans un fauteuil club, les sous-entendus, les affinités, les préférences, les objets fétiches...

La fin dans la fin : la jeune fille ressuscite la maison le temps d'une fête et s'échappe, comme libérée des héritages.

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Be kind rewind

2008-03-05T06:45:00.001-08:00

Versions originales

L'histoire

Deux amis remplacent les VHS démagnétisées d'un vidéo-club par des versions tournées par leurs soins.

Les plaisirs du film

Jack Black en roue libre. On avait remarqué sa folie dans le rôle un peu convenu du réal du King Kong de Jackon. Là, il explose. En paranoïde adepte des théories du complot, puis en movie-star du quartier, il occupe frénétiquement l'écran.

La drôlerie des reconstitutions de blockbusters avec du matériel de cadeaux de fête des mères. Mais pour les apprécier pleinement, il faudrait quasiment revoir les originaux (Ghostbusters, Miss Daisy, Robocop, Rush Hour...). Un comble.

L'hommage rendu à l'amateurisme. Be kind rewind porte bien son titre. Il invite à rembobiner, à revenir en arrière, à se souvenir du cinéma des origines. Du cinéma originel. D'une approche à la Méliès, de bric et de broc, visant à susciter rires, larmes et surprises, en inventant la "technique", les "effets spéciaux" en temps réel, avec ce qu'on a sous la main. Alors bon, le film verse un peu dans la nostalgie, à coup de VHS, de vieille boutique menacée par les promoteurs, de succès des années 80. C'est pourtant plus les camescopes HD que les super8 qui permettent aujourd'hui à qui veut de réaliser un long-métrage dans sa salle de bains.

L'imagination au pouvoir, sous toutes ses formes. Mythomanie, mensonges, remakes, créativité, trouvailles (la tenue de camouflage)...

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Bienvenue chez les ch'tis

2008-03-04T06:32:00.001-08:00

Le nord pour les nuls

L'histoire

Un fonctionnaire du sud est muté dans le nord.

Le plaisir du film

Le plaisir du cornet de frites.

D'abord, on y va avec un plaisir un peu coupable.

Ensuite, au début, pendant la première 1/2h, tout correspond à notre attente. Bon rythme, pas de scénario, mais le plaisir de retrouver la comédie à la papa. On s'attend à voir débarquer Paul Préboist, Bernard Menez, ou Jacqueline Maillan... Galabru est là, très drôle en Parrain. On entend déjà les "Salut biloute beuâââââ..." dans les cours de récré comme le "okayyy" des Visiteurs. On revoit Zoé Félix, on découvre Anne Marivin. L'amour de l'auteur pour sa province, ok. Mais on tourne trop autour des clichés pour leur échapper.

Et puis... Tout le monde surjoue, la bande-son balance les cigales, les violons. C'est lourd. On regrette. On part avant la fin, qu'on pressent très indigeste.

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Pour Alexandra > désolé, je ne peux pas changer la date, mais je te jure que j'ai vu le film 1 bonne semaine avant.

There will be blood

2008-03-03T01:03:00.001-08:00

La créature de l'or noir

L'histoire

L'ascension d'un chercheur de pétrole névropathe.

Les plaisirs du film

Le climat toujours "borderline". Les premières images du film, muettes, fonctionnent comme un prologue où la folie s'installe : la musique d'ouverture (guitare de Jonny Greenwood, Radiohead) évoque celle de Shining et le personnage de DDL, Plainview, rappelle parfois le père possédé incarné par Nicholson, entre bonhomie sarcastique et sauvagerie pure.

L'interprétation exceptionnelle de DDL, en carcasse habitée par la folie du pétrole, toujours au bord de l'explosion, capable de faire jaillir pétrole, sang, mots assassins. Les ambiguïtés du personnage, aussi noir, poisseux et dangereux que le pétrole, son pouvoir de séduction et de manipulation, son cynisme, sa misanthropie. Un magnifique héros du "côté sombre". Les autres rôles subtilement travaillés : le demi-frère, ersatz physique de Plainview, l'évangéliste pop-star délirante, le fils victime.

L'implacable tragique : le pétrole souille et corrompt tous ceux qui l'approche et s'en servent. Le marché "pétrole contre nourritures spirituelles" passé entre l'entrepreneur et l'évangéliste tourne vite au "pétrole contre pourritures", tant il est vrai que la marée noire ne laisse personne indemne. Le film avance aussi sûrement qu'un gisement chemine sous terre en attendant de jaillir : là, tout peut arriver. Incendies, explosions, mort.

La mécanique parfaitement huilée de l'ensemble procure un plaisir d'autant plus grand qu'il s'agit d'un film spectaculaire. Pas de clichés. Pas de reconstitution historique lourdingue. L'action couvre des décennies sans une baisse de rythme. La caméra sublime l'immensité de la nature et la noirceur humaine. La direction d'acteur explore les limites des personnages. Subtil et puissant. Comme la folie.

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Nightwatching

2008-02-28T13:52:00.001-08:00

The Rembrandt code

L'histoire

Rembrandt dénonce un crime en truffant son tableau La ronde de nuit de détails accusateurs.

Les plaisirs du film

Retrouver Greenaway et toujours ce même plaisir mêlé d'agacement. Toujours un peu trop long, un peu trop bavard, un peu trop difficile au début. Une théâtralité parfois énervante. Et puis on se convainct qu'un style aussi fort et unique mérite bien de s'accrocher. On est alors largement récompensé.

Les lumières magnifiquement travaillée, qui donne parfois l'impression de contempler un tableau dont les personnages seraient en mouvement. Le stylisme de façon générale, même dans le dépouillement calviniste, frôle le baroque : on dépeint une vie d'artiste et le vice de ses commanditaires.

Le cheminement du film, éclaté au début, truffé de noms que l'on doit vite reconnaître pour suivre l'intrigue. Puis les éléments se mettent en place, se répondent, se combinent, pour atteindre à la fin l'explicite. Toutes les questions trouvent leurs réponses : dans le tableau, pourquoi ce coup de mousquet visible entre les deux chapeaux du centre ? Pourquoi l'ombre portée de la main du personnage central sur le sexe de son compagnon de droite ? Que fait cette carafe dans la main de la jeune fille blonde ?

La réflexion sur la vision : que voit-on dans un tableau ? Peut-on encore le comprendre sans contexte historique ? Sinon, peut-on inventer une signification à partir d'une interprétation personnelle, comme le fait Greenaway en inventant une intrigue fondée sur une observation attentive et imaginative de La ronde de nuit ?

Le personnage de Rembrandt lui-même, drôle et emporté, l'évocation de sa vie : ses 3 compagnes (la blonde alter-ego, la brune sexuelle, la rousse pure), ses origines modestes, sa déchéance. Et le parallèle entre la mise en scène d'un film et d'un tableau : castings, composition, choix de costumes, gestuelle...

Le lit de Rembrandt, pièce majestueuse et monstrueuse, montée sur roues et piédestal, garni de tiroirs. Je veux le même.

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The Savages

2008-02-27T01:42:00.000-08:00

Ô vieillesse ennemie

L'histoire

Wendy et son frère Jon, déjà pas très bien dans leur vies respectives, doivent prendre en charge celle de leur père mal en point.

Les plaisirs du film

Sun City, dépeinte dans le prologue du film. Ciel bleu, végétaux statufiés, vieillards dansant, golfant et aquagymant gaiement. On pense à Lynch, pour le couple gentiment effrayant de Mulholland Drive ou le début de Blue Velvet. Le ton du film est donné, ironiquement tendre, intégrant toujours un contre-point dans chaque scène.

L'aspect touchant et dérisoire de tous les moyens censés retarder ou contrecarrer la vieillesse : ils parsèment discrètement le film. Résidences artificiellement gaies, pilules en tous genres (contre la dépression, le cholestérol...), jogging, aérobic devant la télé, sans oublier l'appareil moyen-âgeux utilisé (inventé ?) par le frère pour se remettre d'une partie de squash.

Le duo Laura Linney-Philip Seymour Hoffman. Elle en femme volontaire et fragile, lui en émotion bourrue, les deux sans maîtrise de leur vie affective, les deux confrontés à la perte des ambitions de jeunesse. Les deux acteurs jouent ensemble à merveille et leurs personnages attachants renvoient à cette tradition woodyallenienne des intellectuels new-yorkais égocentrés mais justes et sensibles (Hannah et ses soeurs).

Le thème de la vieillesse et de la mort (et donc de quoi faire de sa vie), traité avec simplicité, parfois drôlerie, sans pathos.

Le style : la caméra toujours légèrement instable, à peine tremblée, indique la fragilité des êtres. La lumière, du bleu terrifiant de Sun City au gris de NY sous la neige, joue surtout avec les tons de l'automne, bruns et dorés.

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Redacted

2008-02-21T05:43:00.000-08:00

Traître comme une image

L'histoire

Irak. L'unité de soldats américains chargée d'un barrage routier perd sa soupape de sécurité (un officier) et dérape dans la violence.

Les "plaisirs" du film

Le mot plaisir est ici un peu délicat à employer, vu le contenu des images : viol, meurtre, violences psychologiques. Mais il s'agit d'un film, pas d'un documentaire. Un film qui joue aux images "objectives".
L'intérêt du film est là, sur l'utilisation d'images non-cinématographiques (reconstituées par Brian de Palma) projetées au cinéma : blogs, vidéo amateur, documentaire, chaîne d'infos, caméras de surveillance... On peut apprécier le talent de reconstitution de ces images au statut ambigu : le doc français, en images esthétisantes sur fond de Sarabande barrylyndonnienne, les blogs, filmés directement sur l'écran...

L'acte abominable au centre du film interroge notre réaction face à l'image : en ressentons-nous encore l'horreur, lorsque la réalité s'éteint pour nous en appuyant le OFF d'un ordinateur ou d'une télé ? Après un film tout en images fausses, reconstituées, la séance se conclut par un diaporama de "vraies" photos de victimes de la guerre en Irak sur fond de Puccini. Voyons-nous la différence ? En les voyant, l'indignation existe. Mais une fois sorti de la salle ? Que reste-t-il ?

Brian de Palma, cinéaste du regard, embarque notre œil dans différents véhicules. Comme un journaliste "embedded" sur un terrain de conflit. Et comme au journaliste, donne ce qu'il veut qu'on voit. Le personnage apprenti-cinéaste du film le rappelle face à un psy : la nature même du spectateur est la passivité.

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Paris

2008-02-20T02:31:00.001-08:00

Paris perdu

L'histoire

Un jeune homme attend chez lui une greffe du cœur. A l'extérieur, tranches de vies de différents personnages.

Les plaisirs du film

Savourer à l'avance ce que pourra être un film "total" sur Paris, brassant les milieux, les endroits, avec en plus les références revendiqués de Short Cuts et Lelouch. Hélas, on ne retrouve pas Paris. Le film aurait pu se passer à Vierzon ou Marseille. Aucune sensation parisienne à l'écran. La ville est absente. Quant au système choral, il peut être efficace pour créer un bouillonnement incessant, un rythme, ou pour mêler les fils d'une intrigue qui se resserre. Mais là, pschit. Des tranches de vie, plus ou moins épaisses, parfois farcies de séquences gadgets d'animation en 3D assez laides.

Du coup, les numéros d'acteurs prennent de l'importance dans ce puzzle de sketches. Et là, on est bien servi, on rit pas mal. Luchini, bien sûr, assez cadré pour apparaître fantaisiste et non cabotin. Binoche, touchante et juste, y compris dans un strip-tease en pull. Et surtout Karin Viard, boulangère archétypale. Pour les autres acteurs : hachés par le système choral qui ne leur laisse que peu de temps pour installer des personnages, ils surjouent tous... Triste, surtout pour Cluzet et Dupontel.

Constater la bonne santé des clichés, du voyage du Camerounais au SDF sympa, en passant par la relation entre frères...

Avoir envie de revoir Le Feu follet de Louis Malle, grâce aux Gymnopédies de Satie, ici remixées. Avoir aussi envie de danser un peu sur l'extrait de Philippe Katerine, pour retrouver enfin l'ambiance de Paris, d'ailleurs bien plus présente dans Chacun cherche son chat que dans cet album bien trop correct de la capitale.

Une réplique, lors de la virée peut-être un peu fellinienne de la virée des tops à Rungis : "We love bidoche".

fiche technique, critiques et séances

No country for old men

2008-02-12T01:49:00.001-08:00

Le bon truande la brute

L'histoire

Un psychopathe de derrière les fagots pourchasse le texan qui lui a subtilisé une valise de $.

Les plaisirs du film

Le psychopathe. Il est tellement rare d'assister à la naissance d'un "bon" méchant. Dark Vador, Hannibal Lecter et maintenant Anton Chigurh. Coupe de cheveux à la Garcimore-Bernard Thibault, humour cruel à la Lecter et impassibilité à la Terminator. Une arme inédite dans l'histoire du cinéma. Ses apparitions impitoyables et détachées glacent le sang et donnent le sourire.

Le retour des frères Coen au meilleur de leur style. Loin des abracadabrantesqueries de Barton Fink, des reconstitutions pesantes (The Barber), des comédies pseudo-décalées (Leboswski). No country se rapproche de l'os, comme Fargo ou Blood Simple (1984). Noir, drôle, inventif. Le casting parfait donne à tous les personnages une présence qui déborde le rôle.

La mise en scène des espaces, filmés comme des lieux de menace permanente. Immensité des déserts texans au début du film ou étroitesse des chambres d'hôtel ensuite, les espaces sont filmés avec une grande beauté.

La distanciation, incarnée par le shérif Tommy Lee Jones, lancé dans une poursuite qu'il sait vaine, la poursuite contre le Mal.

fiche film, critiques & séances
photo http://www.cbc.ca

Live !

2008-02-11T05:55:00.001-08:00

La télé à deux balles

L'histoire

Une productrice TV réussit à mettre à l'écran une roulette russe.

Les plaisirs du film

La simplicité de l'idée, poussée au bout de sa logique : 6 candidats, dont un trouve la mort et les autres 5 millions de $. Le film suit le projet, de l'idée à sa diffusion.

La simplicité de la mise en scène, avec la petite idée, pas nouvelle, mais bienvenue, de l'image dans l'image : tout le film est tourné comme son sujet. Façon docu quand on est dans un docu ou show tv. L'image ne s'en trouve pas vraiment léchée, mais le rythme tient la route.

Simplicité aussi du propos. Pas de leçon, pas de pseudo-philosophie. L'ensemble ne fait pas réfléchir, il inquiète vaguement quant à la surenchère possible de la tv réalité, mais bon, ce n'est pas le propos et tant mieux. Au total, un petit film bien cadré sur un sujet tout de même largement vu et débattu.

Le détail qui tue. Le nom du personnage sans scrupules d'Eva Mendes, Katy Courbet.

fiche film, critiques & séances
photo http://www.film.com/photos/4/16818855

Juno

2008-02-08T06:17:00.000-08:00

Baby blues

L'histoire

Une jeune fille de 16 ans choisit un couple pour lui confier l'enfant qu'elle porte.

Les plaisirs du film

Se demander comment ce film gentillet et insipide crée du buzz et triomphe dans les festivals. A vrai dire, il est calibré pour ressembler à un "film indépendant", qu'il singe à merveille : le générique en illustration (wow), les répliques surécrites (je plains les spectateurs de la vf, c'est bien 80% du film qui leur passe à côté), et surtout, surtout la petite musique guitare acoustique mièvrement pop avec voix sussurée.

Le repos de l'esprit. On suit le film sans se poser une seule question, pendant que les clichés défilent. On teste ses talents prémonitoires en devinant chaque péripétie 10 mn à l'avance. Et si par malheur on était sorti du mode pilote automatique, pas de panique, la gentille musique pop acoustique vous remet dans les rails en cas d'émotion à ressentir. Ne manquent que les rires enregistrés pour que le guidage soit parfait. L'avantage est de pouvoir penser à autre chose, notamment aux films réussis sur l'adolescence, porteurs d'un (vrai) style, comme Virgin Suicides ou La Famille Tennenbaum. Sinon c'est l'ennui.

La ressemblance ahurissante entre le jeu d'Ellen Page et celui de Woody Allen. Prenez ce dernier, ôtez-lui 50 ans, ses lunettes et sa calvitie, ajoutez seins et ventre. Le même phrasé, les mêmes mouvements de main, les mêmes répliques prononcées pour lui seul.

Les références très très subtiles. Juno(n), prénom de l'héroïne, c'est la déesse de la fertilité. Eh oui.

fiche film, critiques et séances
photo wwwimage.cbsnews.com

Cloverfield

2008-02-07T01:03:00.000-08:00

Une histoire de bruit et de fureur filmée par un idiot

L'histoire

Cinq jeunes New-yorkais tentent d'échapper à la créature qui pulvérise Manhattan.

Les plaisirs du film

Le principe de départ : tout le film est censé être tourné par une caméra amateur, tenue par un type un peu crétin qui prend son rôle très à coeur, au point de ne jamais lâcher l'appareil entre deux immeubles qui s'effondrent, un monstre qui éructe et des mini-aliens qui mordent (!). Du coup, le contraste entre le point de vue étroit (caméra DV + cinéaste amateur) et l'énormité des scènes filmées crée une tension bien plaisante.

Le jeu sur les stéréotypes. A première vue, le film lui-même est un grand cliché (Godzilla & Co), mais il pulvérise aussi de nombreux poncifs cinématographiques. Ici, pas d'explication sur l'origine du monstre : le crétin qui filme évacue en deux mots, en courant dans l'obscurité, l'explication du monstre marin, de la créature extra-terrestre, du complot gouvernemental. Pas de sauveur non plus. Même pas de héros. Et la fin du film est annoncée dès la première seconde.

Le côté bon enfant. Pas de sexe, pas de sang. Le premier 1/4 d'heure, mièvre comme tout, décrit une soirée tellement sage qu'on repense aux boums de notre enfance. Et ensuite, aucune scène gore dans cette pluie de pierres et de feu, juste le plaisir du fauteuil qui vibre. Choisissez bien votre salle pour avoir un maximum de basses. Je vous garantis (témoignages en main) que toutes les autres salles autour de la vôtre entendent le fracas de Manhattan réduit en miettes.

Fiche du film, critiques & séances

Les liens du sang

2008-02-06T07:00:00.000-08:00

Flingues, cuirs et clopes

L'histoire

Deux frères, un flic, un truand, se retrouvent et tentent de s'aimer, emmêlés dans leurs liens familiaux et affectifs.

Les plaisirs du film

François Cluzet dans le rôle de Gabriel, fragile à faire peur. Il dégage une tension impressionnante par sa manière de siffler ses répliques entre les dents. Il respire la souffrance du personnage.

Clotilde Hesme joue un personnage à fleur de peau, dont les yeux songeurs interrogent la violence qui l'entoure et les sourires éclairent l'ambiance plombée.

L'année 1979, reconstituée dans le grain de l'image, dans les accessoires devenus exotiques (blousons de cuir et clopes à tous les plans) dans certains détails de la bande-son (le météorologue qui roule les R, le générique des dossiers de l'écran...)

La caméra, fluide et violente, quand elle serre les visages comme un flic serre un truand.

Critiques presse & horaires